La fotografia olistica è un modo per sviluppare l'apprezzamento di un artista per il mondo visivo. Ciò si ottiene interagendo con idee stimolanti e padronanza tecnica del mestiere fotografico.
I fotografi, nella mia esperienza come coach di fotografia, tendono a gravitare verso due estremi;
1. Scienza
Sto abusando di "scienza" per indicare competenza tecnica e risultati misurabili. L'artigianato è più vicino, ma l'uso popolare ne confonde il significato.
I fotografi attratti da questa sfera tendono a concentrarsi sui dettagli intricati della loro attrezzatura, regole fotografiche, valori di esposizione precisi e bilanciamento del colore accurato. Sono molto protettivi nei confronti delle alte luci nelle fotografie e utilizzano ampiamente HDR e Photoshop o assumono una posizione di "nessuna manipolazione" (e occasionalmente usano la pellicola). Il rumore digitale è il nemico e la nitidezza è di fondamentale importanza; sebbene gli obiettivi con aperture fino a f0,95 siano spesso preferiti.
Le domande tipiche includono;
- "Quanti megapixel ha la tua fotocamera?"
- 'Quale valore di apertura dovrei usare?
- "Quale attrezzatura hai usato per scattare questa foto?"
- 'Come posso ottenere fotografie più nitide?'
- "Adobe RGB è migliore di ProPhoto RGB per i paesaggi?"
2. Art
I fotografi, spesso incoraggiati dalla fama di Instagram e dai "Mi piace" di Facebook, credono che la fotocamera non abbia importanza e che un obiettivo primario o un super zoom sia sufficiente. Tendono a utilizzare ovvi filtri "artistici" di Photoshop e immagini composite. Possono avere un background artistico e credere fortemente nell'importanza di un buon "occhio". Le loro foto tendono ad avere un contrasto più elevato e una maggiore saturazione.
Fanno meno domande;
- 'Come posso catturare la bellezza di questa scena?'
- 'Qual è il colore più bello per la pittura leggera?'
- "Come ottengo uno sfondo sfocato?"
Pertanto, è la fotocamera che attira l'attenzione del fotografo o il soggetto; raramente entrambi. La fotografia olistica mira a correggere questo squilibrio fornendo una struttura, il Quartetto.
1. L'idea:
Le fotografie senza un pensiero o un sentimento dietro di loro raramente attirano l'attenzione. La fotografia olistica separa questo aspetto cruciale in due parti;
- Preservazione:
La fotocamera è uno strumento meraviglioso per una riproduzione accurata del mondo visivo. Ci consente come fotografi di catturare un'impressione di una scena o di un soggetto, quindi di trasportarla nel tempo e trasmetterla in tutto il mondo. Questo è il regno della mimesi; mostra, non dire. Il soggetto è sufficiente e c'è poco input creativo da parte del fotografo; anche se spesso è richiesta una straordinaria abilità con il mestiere.
Molta arte esisteva solo per creare un simulacro visualizzabile dei beni di un mecenate; comprese le persone e gli animali. Ora le foto commerciali normalmente esistono per identificare, conservare e vendere. Ci sono ancora alcune persone vive che pensano che la conservazione sia tutto ciò che la fotografia è, o può essere (e forse anche dovrebbe essere?).
Esempi;
- Fotografia del passaporto
- Fotografia del prodotto per cataloghi
- Molta fotografia di paesaggio
- Molta fotografia architettonica
- Molta fotografia scolastica e di eventi
- Molta fotografia in studio, sport, animali domestici e "famiglia"
- Espressione:
Alcuni dipinti possono essere fotorealistici e non dire nulla, mentre altri possono essere profondamente toccanti; li chiameremo Art. La fotografia può anche essere un eccellente mezzo per creare arte con la "A" maiuscola.
L'espressione nella fotografia olistica riguarda la trasmissione di un pensiero, un'idea o un sentimento. Innanzitutto sono quelle fotografie sulla vita interiore e la prospettiva del mondo del fotografo olistico.
Spesso il soggetto viene utilizzato come simbolo o parte di una tavolozza; la fotografia non riguarda solo gli oggetti raffigurati. Ciò che sappiamo e in cui crediamo influisce fisicamente su ciò che vediamo, quindi la fotografia olistica include modi per sviluppare l'inafferrabile "occhio artistico".
Altrettanto importanti sono quelle fotografie commerciali che vanno oltre la rappresentazione razionale e nel contenuto emotivo. Un ritratto dice di più sul personaggio di una modella che sul suo aspetto. La pubblicità di un'auto vende una visione di un'altra vita.
Esempi;
- Fotografia d'arte
- Fotografia concettuale
- Fotografia astratta
- Alcune fotografie pubblicitarie
- Alcune fotografie di paesaggi
- Alcuni ritratti
- Alcuni documentari e fotografie editoriali
- Qualche fotografia di matrimonio
2. La luce:
La luce è fondamentale per tutti e soprattutto per i fotografi. La luce è abbastanza prevedibile e questa sezione viene trattata introducendo principi chiave che consentono al fotografo olistico di identificare o creare la luce "giusta" per la fotografia prevista in molte situazioni diverse. Il processo di guardare la Luce è diviso in tre parti;
- Osserva: La nostra fonte di luce principale è normalmente il sole o un flash artificiale. Questa è la luce chiave. Le altre sorgenti luminose e la luce riflessa dagli oggetti nella scena forniscono la luce di riempimento.
Possiamo identificare molti fattori come il contenuto di colore, l'intensità, la durata, il carattere e la direzione delle luci che colpiscono la nostra scena e il soggetto.
Comprendendo i principi fondamentali, possiamo capire come analizzare la luce e ottimizzare il posizionamento del nostro soggetto per sfruttarlo al meglio. La domanda è sempre: "Dove sono le mie sorgenti luminose?"
- Controllo: Se ci accontentassimo di ciò che il mondo ci ha presentato, vivremmo ancora nelle caverne. Ne consegue che è auspicabile assumere il controllo dell'illuminazione nella scena.
Possiamo farlo aggiustando e affinando le sorgenti luminose già presenti, oppure aggiungendone altre; di solito lampi artificiali. I riflettori servono a far rimbalzare la luce. Le sete possono ammorbidirlo. L'illuminazione gelificata può colorarlo. Se il budget è abbastanza grande, ci sono pochi effetti che il fotografo non può ottenere.
- Cattura: Questa sottosezione fornisce normalmente la maggior parte del materiale per un programma fotografico "completo". Copre il modo in cui la fotocamera reagisce alla luce, inclusi diaframma, velocità dell'otturatore e sensibilità ISO. Viene enfatizzata la comprensione dell'applicazione creativa di queste tre variabili più l'uso dei filtri.
Le modalità di esposizione e la compensazione vengono insegnate qui insieme alla modifica della risposta della fotocamera al colore utilizzando il bilanciamento del bianco. Tecniche come l'imaging HDR e gli effetti nella fotocamera rientrano in quest'area.
3. La composizione:
La fotografia è un mezzo bidimensionale che rappresenta il mondo visivo tridimensionale. Pertanto, dobbiamo fare affidamento su trucchi per creare l'illusione di profondità e prospettiva. Dobbiamo anche comporre gli elementi nelle nostre fotografie per assicurarci che il nostro soggetto sia chiaro e il nostro significato inteso sia evidente.
Fortunatamente l'estetica, che mira a raggiungere questo obiettivo, è ben consolidata e ci sono molti principi da cui possiamo imparare e applicare. La composizione è divisa in due parti;
- Comando: Una fotocamera cattura un'impressione più oggettiva del mondo rispetto alla nostra esperienza soggettiva. Pertanto, per realizzare fotografie che commuovano il nostro pubblico, dobbiamo sfruttare alcuni effetti creati dalla fotocamera.
Ad esempio, possiamo controllare la prospettiva utilizzando la tecnica piramidale che copre il posizionamento della fotocamera e la scelta della lunghezza focale. Oltre a tecniche interne alla fotocamera come l'ottimizzazione della profondità di campo per comunicare il nostro messaggio, potremmo anche essere in grado di dirigere il nostro soggetto all'interno della scena.
- Significato: La luce è energia e il colore è la nostra reazione alle lunghezze d'onda predominanti. Le prove scientifiche hanno dimostrato che il colore ha un effetto fisiologico e psicologico sulle persone. La comprensione della psicologia del colore è trattata nella sezione sulla luce, ma anche la composizione dei colori all'interno della cornice influisce sul loro significato.
La comprensione dei simboli, sia culturali che istintivi, fornisce al fotografo olistico la fluidità necessaria nel linguaggio visivo per creare metafore e narrazioni.
4. La tempistica:
Il mondo ha apparentemente 4,54 miliardi di anni. La fotografia media è realizzata in circa 1/250 di secondo. Perché scegliere un particolare momento nel tempo per catturare la disposizione delle cose?
Le montagne crescono e si erodono nel corso dei millenni mentre un jab vincitore del titolo mondiale può durare per millisecondi. Il movimento può essere catturato in momenti diversi per creare significati opposti.
La durata dell'esposizione influisce anche sul modo in cui viene mostrato il movimento e può anche essere regolata per de-familiarizzare il tempo stesso. Anche l'illuminazione cambia con il tempo, quindi la comprensione della luce richiede attenzione al tempo. La tempistica è divisa in due parti;
- Momento: Cartier-Bresson, il fotografo di strada surrealista, pensava che ogni scena avesse un "momento decisivo" in cui tutti gli elementi dell'immagine si univano momentaneamente per raccontare la storia dell'intera scena. Fotografi diversi vedranno momenti diversi perché la loro interpretazione della scena è unica.
Tuttavia, ci sono alcuni concetti utili da conoscere. Ad esempio, la ricerca sulle microespressioni afferma che le vere emozioni delle persone si manifestano momentaneamente sul viso. Le fotocamere a pellicola ad alta velocità come quelle prodotte da RED possono catturarle. La tempistica è anche legata alla composizione; una persona sembra diversa se viene fotografata in momenti diversi mentre cammina. Se le gambe vengono mostrate insieme, sembra che stiano perdendo tempo, e se vengono prese a metà passo sembrano risolute.
- Durata: Quanto dura un momento? Stiamo davvero catturando un periodo di tempo. La durata che scegliamo influisce su come appare la fotografia; e quindi il suo potenziale significato. Le immagini di proiettili in volo utilizzano lampi di luce ad alta velocità per congelare il movimento altrimenti invisibile a occhio nudo. Al contrario, la fotografia in campo ultra profondo delle galassie richiedeva che il telescopio Hubble usasse una velocità dell'otturatore di dieci giorni.
Questi sono estremi; in questa fotografia la durata dello scatto era sufficiente per offuscare il movimento del braccio del fabbro; ma abbastanza veloce da far apparire il resto della fotografia nitido.
Gli ingressi e le uscite:
Separate dal quartetto ma comunque importanti, queste due categorie esaminano l'attrezzatura necessaria per creare la fotografia. Gli input includono la fotocamera, gli obiettivi, i treppiedi, le apparecchiature di illuminazione, i filtri e così via. I risultati includono opzioni di stampa, inquadratura, display digitali, computer, software di modifica delle immagini e quei magneti da frigo con gli scatti delle vacanze.
Quindi il Quartetto - l'idea, la luce, la composizione e il tempismo - fornisce la struttura per la fotografia olistica e gli ins & out ci portano dalla cattura alla visualizzazione. Puoi guardare il video del Quartetto di fotografia olistica
La mia esperienza di apprendimento della fotografia è stata come un dipinto di Seurat o un disegno di Rolf Harris; costruendo lentamente il quadro più ampio da idee e tecniche specifiche. La fotografia olistica aiuta ad accelerare e approfondire l'apprendimento iniziando prima con lo schema completo, quindi fornendo il materiale all'individuo per costruire la propria abilità e visione uniche e collegare il materiale appreso in precedenza.
La fotografia mi ha dato un profondo apprezzamento per il mondo che non potevo nemmeno immaginare quando ho iniziato. Oltre che un modo per preservare, è diventato un modo per vedere, capire ed esprimere; che continua a svilupparsi. Questo è il motivo per cui ho creato la fotografia olistica: per aiutare i miei progressi e condividere il processo con gli altri. Spero che sia utile.
