All'inizio dell'anno, navigando in un elenco di fotografi su Google Plus, mi sono imbattuto in una fotografia che ha attirato la mia attenzione. Una giovane ragazza con le guance rosee, grandi occhi spalancati e uno sguardo serio sul viso stava contro una parete tappezzata di verde vestita con una giacca rosso vivo mentre teneva una ciotola di ciliegie.
L'immagine era sorprendente su molti livelli: il soggetto, il colore, la posa, lo stile dell'immagine e ciò che evocava a livello emotivo mi hanno fatto guardare due volte.
Il fotografo era Bill Gekas e una rapida occhiata al resto del suo lavoro ha rivelato alcune bellissime immagini con uno stile distinto e un'attenzione ai dettagli.
Oggi sono entusiasta di presentare un'intervista con Bill Gekas e alcune delle sue bellissime immagini. Bill vive a Melbourne in Australia. Scopri di più sul suo lavoro sul suo sito web e blog. Connettiti con lui su Twitter e Google+.
Bill, puoi raccontarci qualcosa del tuo passaggio dalla pellicola alla fotografia digitale? Quando e perché hai effettuato il passaggio?
Il mio passaggio dalla pellicola al digitale è avvenuto nel 2005. Fino ad allora scattavo principalmente a colori 35 mm sia in positivo che in negativo e facevo il mio sviluppo e la stampa in camera oscura da pellicola in bianco e nero da 35 mm. Per quanto i processi tradizionali potessero essere stati all'epoca, il passaggio all'acquisizione digitale e alla post-elaborazione ha appena aperto un mondo completamente nuovo che ha davvero semplificato il processo in larga misura.
Che impatto ha avuto questo passaggio sul tuo lavoro?
Questo ha avuto l'impatto più positivo sul mio lavoro in cui ho scoperto che potevo finalmente creare le immagini nella mia mente senza spendere tempo e denaro utilizzando processi tradizionali! L'acquisizione digitale ha semplificato il flusso di lavoro al punto in cui gli strumenti e il flusso di lavoro erano ora una parte trasparente del processo creativo e non si intromettevano, sembrava davvero liberatorio in quel senso ed è stato molto apprezzato!
La ritrattistica è sempre stata uno degli obiettivi principali della tua fotografia? In caso contrario, perché è qualcosa su cui sembri concentrarti così tanto oggi?
La ritrattistica è diventata il mio genere principale più o meno nello stesso periodo nel 2005. Fino ad allora stavo davvero scattando un po 'di tutto, ma dopo aver scoperto alcuni straordinari ritratti dei grandi fotografi del passato mi sono reso conto che i soggetti in queste fotografie ben note sebbene fossero completi estranei si erano collegati con me, i ritratti erano inquietanti, quasi surreali ed è allora che ho capito che sarebbe stato un ritratto, un ritratto con un'estetica artistica e un talento creativo in cui potevo fondere riferimenti storici che fossero luce, oggetti di scena o atmosfera con un espressione contemporanea più moderna del soggetto.
Il tuo lavoro più recente ha uno stile molto particolare. Esito a etichettare un altro fotografo come lavoro, ma come lo descrivi?
Questo stile è solitamente definito come ritratto d'arte e scoprirai che manca le espressioni sorridenti più candide, acute e usuali dei soggetti della ritrattistica moderna che è attualmente in voga in molti studi di ritratti. Questo è uno stile di ritrattistica più emotivo e creativo che un certo tipo di pubblico trova attraente.
Puoi parlarci un po 'di cosa ti ha portato a questo stile di fotografia?
La sua natura emotiva, atmosferica, quasi surreale! È il tipo di espressione che il tuo soggetto ti darà e rimarrà con te per molto tempo dopo aver visto l'immagine. Credo che la ritrattistica possa raggiungere un livello in cui non vediamo più l'immagine ma la percepiamo effettivamente, e questo essenzialmente si riduce alla forza della connessione tra soggetto e fotografo / spettatore.
Il tuo lavoro mi colpisce perché pianificato meticolosamente. Quanto lavoro richiede la preparazione della tua fotografia? Da dove vengono le idee e quali passaggi ti trovi a compiere per portare a compimento l'idea?
Con questo tipo di fotografia di set-up di solito scatto la foto prima di eseguire lo scatto! Ciò significa che la foto è già stata scattata nella mia mente di solito giorni prima e quindi è solo una questione di lavoro preliminare. Questo metodo mi consente di avere tutti gli aspetti delle riprese e della post-elaborazione elaborati al punto in cui il tempo di ricerca e preparazione può essere il 90% del tempo necessario e il restante 10% del tempo effettivo è nelle riprese stesse .
La chiave per eseguire una ripresa come questa è avere tutto pianificato prima che il soggetto entri nella scena, l'illuminazione, gli oggetti di scena, la composizione ecc. Dal pensiero allo scatto post-elaborato pronto per la visualizzazione, uno scatto tipico può durare in media un totale di 8 ore.
Molte delle idee derivano dal mio apprezzamento per le opere degli antichi maestri pittori. Caravaggio, Vermeer, Rembrandt, Raphael, Velazquez ecc. Ma trovo anche molta ispirazione guardando film stranieri in cui le scene cinematografiche giocano un ruolo di primo piano. La fusione di questi mondi insieme aiuta a creare un ritratto suggestivo.
Ovviamente qualsiasi film di Jean-Pierre Jeunet suscita anche ispirazione per creare, e tengo sempre un taccuino con schizzi e idee approssimative di me.
Quale fotocamera e attrezzatura di illuminazione usi per una tipica ripresa?
Attualmente scatto con una fotocamera reflex Pentax K5 e un assortimento di obiettivi Pentax prime e uno zoom 16-45 / 4. Nessun motivo particolare per usare questo marchio se non avere alcune vecchie lenti del passato che posso ancora usare sui loro ultimi corpi reflex.
La mia borsa fotografica è in realtà piuttosto modesta rispetto alla mia borsa per luci. L'illuminazione è la chiave di molti dei miei lavori e possiedo molti lampeggiatori, uno stroboscopio da studio Einstein, modificatori di luce, riflettori, trigger RF ecc. La maggior parte del mio lavoro in studio interno è solitamente illuminato con un softbox da 28 "come luce chiave, a volte un secondo lampeggiatore con un reticolo attaccato che punta allo sfondo per illuminarlo e un riflettore bianco sul lato opposto del soggetto per riempire alcune zone d'ombra.
In una ripresa all'aperto in genere userò solo una luce modificata da un modificatore di tipo circolare che è un octabox di medie dimensioni o spara attraverso un ombrello. Cerco di farla franca usando i lampeggiatori a causa della loro versatilità e userò davvero lo strobo di Einstein solo se ho bisogno di sopraffare il sole di mezzogiorno.
Potresti condividere con noi un'immagine che hai scattato di recente e parlarci dell'idea e di come l'hai scattata?
Sciarpa Rossa (sopra) - Questa foto è stata scattata di recente in un ambiente esterno non troppo lontano da dove vivo. In realtà è una piccola pista ciclabile ghiaiosa che corre accanto a un torrente. L'idea di questa ripresa è venuta da una scena di tipo simile che ho visto non molto tempo prima in un film, era ovviamente diversa ma essendo il tardo autunno all'inizio dell'inverno qui nell'emisfero meridionale volevo ritrarre la stagione e questo sarebbe stato ottenuto usando lo sfondo e la selezione del costume.
La giacca grigia e il berretto dovevano connettersi con un elemento della scena essendo il sentiero di ghiaia, il fogliame dai colori caldi doveva rappresentare la stagione e l'elemento più importante della scena è la sciarpa rossa che attira i nostri occhi sul punto di è il soggetto. A volte è importante usare colori forti per disegnare e ancorare i nostri occhi al punto chiave di interesse, a condizione ovviamente che funzioni nella scena e si integri con gli altri toni senza sembrare fuori luogo.
Tecnicamente questo è un semplice scatto a f4.0, 1 / 60s a metà pomeriggio in piena ombra. La lunghezza focale era di 28 mm aps-c, che è di circa 42 mm su un sensore full frame. La luce era solo un singolo lampeggiatore a 1/4 di potenza sparato attraverso una ripresa bianca attraverso la telecamera a ombrello a destra.
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