Pochi mesi fa ho visitato il Metropolitan Museum of Art di New York. Arrivato lì, sono subito corso a vedere il lavoro dell'artista che più mi ha influenzato: Vincent Van Gogh; l'artista che ha cambiato il modo in cui guardiamo al colore come strumento per raccontare storie; un artista che non aveva nulla in tasca ma aveva una passione infinita per la creatività e l'innovazione.
In questo post ho deciso di condividere alcuni metodi di lavoro e suggerimenti che ho imparato dai ritratti di questo grande artista. Metodi che cerco, provo, di applicare anche nel mio lavoro.
3 cose che ho imparato sulla fotografia di ritratto dal lavoro di Vincent Van Gogh
Suggerimento 1: usa la luce come strumento per raccontare storie nei tuoi ritratti:
Puoi trattare la "luce" in uno dei due modi seguenti:
- Qualcosa che illumini solo i tuoi soggetti. Un fatto esistente, che non puoi controllare
- Uno strumento creativo. Qualcosa di cui essere consapevoli, come essere consapevoli dell'obiettivo o della fotocamera che stai utilizzando
Fonte di ispirazione
Nota come la luce influenza la storia in questo disegno di un contadino di Nuenen.
La scelta di creare il ritratto del contadino di notte (o una stanza buia) sotto la pallida luce di una singola lampadina, che forma molte ombre sul suo viso, rafforza la sensazione oscura che proviene da questa immagine, una sensazione di un lavoratore sodo. Puoi immaginare che creare il ritratto dello stesso ragazzo, alla luce del giorno, in uno spazio aperto, creerebbe una storia completamente diversa.
La mia interpretazione:
In questa immagine di Apollo-mo, un contadino di 61 anni e sciamano del villaggio della comunità Akha in Laos, ho cercato di creare la stessa sensazione di "duro lavoro" del "Contadino di Nuenen". Ho scelto di catturare Apollo in interni (mantenendolo anche molto compresso all'interno dell'inquadratura) con questo sfondo scuro e una luce drammatica e unica proveniente dal suo lato destro, creando ombre molto profonde sul suo viso. Ovviamente potrei fotografare Apollo in qualsiasi altro momento: ridendo con la sua famiglia e i suoi nipoti, lavorando sotto la luce soffusa del tramonto e così via. Tuttavia, ho scelto di mostrarlo come lo percepivo, come un uomo che lavora sodo con una storia di vita difficile. Questo è esattamente quello che volevo che lo spettatore sentisse.
Suggerimento 2: sfruttare il potere dei colori complementari
L'uso del colore da parte di Van Gogh è stato rivoluzionario e molti libri e tesi hanno già esaminato la questione in profondità. Quello che vorrei presentare qui è una piccola frazione del suo approccio al colore: comprendere il potere dei colori complementari.
Puoi pensare ai colori complementari (e questo sarà un modo molto superficiale di metterlo) come due colori, seduti fianco a fianco, e così facendo, creando un grande impatto sugli spettatori.
Van Gogh usava spesso colori complementari nelle sue opere. Verde e rosso, arancione e blu, viola e giallo: ha fatto tutto.
Nel mio lavoro cerco di tenere presente questo principio dei colori complementari.
Fonte di ispirazione:
La mia interpretazione:
Il rosso e il verde o l'arancione e il blu stanno lavorando insieme per creare un ritratto più forte.
Suggerimento 3: il potere dello sguardo "fuori campo"
Nella maggior parte dei ritratti, fotografie o dipinti, la persona guarda direttamente lo spettatore. Il lavoro di Van Gogh mi ha insegnato che a volte, quando una persona guarda "fuori campo", può dare alla mia immagine una sorta di sensazione naturale, a volte malinconica, ma sempre potente.
Fonte di ispirazione:
L'artista ha realizzato questo dipinto negli ultimi mesi della sua vita. E sebbene la situazione appaia apparentemente bella (donna in piedi in un campo) la tristezza e il disagio sono certamente presenti, principalmente a causa dello sguardo fuori campo.
La mia interpretazione:
Quindi, quando voglio trasmettere una sensazione di disagio o tristezza, cercherò di catturare il mio soggetto in un momento incustodito, guardando fuori dall'inquadratura.
Questo fuori corso può essere fatto solo se ottieni un buon rapporto con il tuo soggetto, permettendoti di lavorare a distanza ravvicinata ed essere comunque “trasparente”.
Non dirò al soggetto cosa fare ("ora, guarda fuori dall'inquadratura e comportati in modo sexy"). Aspetterò solo il momento giusto per fare clic sull'otturatore.
Conclusioni
Usare la luce come strumento creativo: Cerca di abbinare la storia che vuoi raccontare alla luce utilizzata. Una possibilità è controllare la luce: flash, riflettori, ecc. L'opzione più semplice è scegliere il momento giusto per scattare. Storia drammatica? Scegli un momento in cui c'è una situazione di illuminazione difficile o drammatica. Una storia sui momenti felici della vita? Lascia che la tua luce trasmetta questa sensazione lavorando in una luce morbida e piena di colori, come nel periodo d'oro (prima del tramonto o subito dopo l'alba)
Guarda i colori complementari: per creare ritratti potenti.
Pensa alla direzione dello sguardo del soggetto come strumento creativo: A volte uno sguardo fuori campo può dare alla tua storia un impatto emotivo eccezionale.
La storia di Vincent van Gogh è aspra - dolce. Da un lato, un artista i cui dipinti sono conosciuti da tutti e venduti oggi per milioni di dollari. D'altra parte, un artista che ha avuto una grande lotta finanziaria ed emotiva durante la sua vita.