Prima che tu o io prendessimo in mano una macchina fotografica, i nostri antenati (e madri) fotografi erano fuori a scattare, imparare e tracciare nuove strade da seguire. Ho sempre tratto grande conforto da questo fatto. Sapere che facciamo parte di una lunga serie di fotografi e creatori di immagini dovrebbe darci un senso di orgoglio. Per pura volontà e determinazione hanno affrontato momenti difficili, fallimenti e talvolta controversie per darci un incredibile vantaggio per diventare fotografi migliori.
Ironia della sorte, molti di questi giganti della fotografia, come la maggior parte delle altre persone di grande influenza, non hanno iniziato ad essere tali all'inizio della loro carriera. Molti avevano semplicemente bisogno di un lavoro, altri avevano bisogno di uno sfogo per le loro inclinazioni artistiche, e altri ancora … beh, avevano fallito in quello che inizialmente volevano diventare.
In questa edizione di quella che ho chiamato affettuosamente, The Master's Series, vedremo due grandi fotografi che non sono venuti facilmente dalla loro fama. Imparerai dalla loro saggezza guadagnata duramente alcuni suggerimenti che possono aiutarti a migliorare la tua fotografia.
Robert Capa
Capa di Gerda Taro
Robert Capa, che in realtà è nato in questo mondo con il nome di Endre Friedmann, era un fotografo e fotoreporter ungherese. La sua passione era dare alle masse la fotografia di guerra in un modo da vicino e personale che non era mai stato visto prima. Era nato nell'ottobre del 1913 e ha incontrato la sua fine prematura il 25 maggio 1954. In quei 41 anni Capa ha scattato fotografie nel vivo della battaglia durante cinque guerre. Il suo lavoro ha praticamente definito l'immagine che abbiamo della seconda guerra mondiale, inclusa l'invasione della Normandia dalle linee del fronte di Omaha Beach.
Nel 1947, Capa faceva parte di un gruppo di fotografi che si riunirono a Parigi per formare Magnum Photos. Tra i membri del gruppo c'erano grandi come Henri Cartier-Bresson, George Rodger, David "Chim" Seymour e William Vandivert. Magnum diventerà la prima agenzia mondiale per fotografi e fotoreporter freelance.
Lezioni che puoi imparare da Robert Capa
Posizionati per lo scatto
Aumenta le tue possibilità di fare foto migliori mettendoti nelle condizioni di realizzarle. Quando dico "posizione migliore" intendo questo sia in senso figurato che letterale. Capa era famoso per aver detto: "Se le tue foto non sono abbastanza buone, non sei abbastanza vicino". Capa era rinomato per essere senza paura e si sarebbe messo subito all'azione per fare le sue fotografie. In verità, come linea guida generale, avvicinarsi al soggetto può migliorare non solo la qualità di un'immagine, ma anche aumentare il suo impatto visivo con lo spettatore.
Detto questo, metterti nella posizione di produrre un lavoro migliore significa anche che dovresti sapere quale fotografia stai cercando di catturare. Preparati a fare la fotografia, cioè l'obiettivo, il treppiede, i permessi, ecc.
Promuovi te stesso in modo creativo
Perché Andre Friedmann ha smesso di essere Andre Friedmann ed è diventato Robert Capa? La risposta è semplicemente un marketing migliore. Se sei di tipo eccezionalmente linguistico, potresti aver notato che Capa è la parola ungherese per squalo. Quando Capa era un ragazzo, quello era il soprannome che gli avevano dato i suoi amici. Vedete, Capa non stava ottenendo molta attenzione sotto il suo nome di battesimo, quindi è stato inventato un nuovo personaggio per il suo lavoro. Questo nuovo personaggio era quello del famoso ma completamente immaginario fotografo americano Robert Capa, che all'epoca stava presumibilmente in tournée in Europa. I clienti lo adoravano. Presto il lavoro iniziò e Capa stava per diventare una leggenda della fotografia.
Questo non significa che devi smettere di essere te stesso per avere più successo come fotografo. Significa solo che a volte devi tirare fuori un po 'di creatività quando ti vendi come artista. In un certo senso, lavora per creare la tua identità di fotografo. Coltiva il tuo stile. Assicurati di mostrare solo il tuo lavoro migliore. Racconta la storia della foto invece di mostrarla. Sii carismatico e accogliente con i tuoi clienti e non aver paura di parlare favorevolmente (non vanagloriosamente) di te stesso e del tuo lavoro.
Non essere sempre ossessionato dalla perfezione tecnica
Questo può essere un compito molto difficile da padroneggiare. È facile farsi prendere dall'ottenere il diaframma giusto o assicurarsi che non ci sia troppa grana con quell'ISO. Quando si tratta di immagini fotogiornalistiche come la fotografia di strada, le emozioni e l'umore di una scena o di un soggetto dovrebbero attirare la tua attenzione primaria. Nella quantità di tempo che potrebbe essere necessario per modificare quella messa a fuoco, il momento potrebbe passare. L'importante è insegnare a te stesso che una buona esposizione di un grande momento, quasi sempre vincerà una grande esposizione di una scena mediocre.
Questo scatto avrebbe potuto essere messo a fuoco meglio, ma forse mi è sfuggito l'aspetto della concentrazione.
Fai da mentore a coloro che vogliono imparare
Questo è un grosso problema e forse una delle cose più importanti che puoi imparare da Robert Capa per aiutarti a crescere come fotografo. Capa ha riconosciuto che la fotografia non sarebbe mai progredita se non ci fossero stati nuovi fotografi in arrivo per prendere il posto di lui e dei suoi colleghi quando il loro tempo fosse passato. Quindi ha dedicato una buona parte del suo tempo al networking e all'insegnamento di altri fotografi.
Quando fai da mentore o ti impegni in altro modo per aiutare un nuovo fotografo a migliorare se stesso, forse inconsapevolmente stai avendo un enorme impatto sull'arte della fotografia. Un apprezzamento per la trasmissione dei principi e delle tecniche fotografiche è forse il più grande contributo che un fotografo può dare al mondo.
Jerry Uelsmann
Immagine per gentile concessione dell'Università dell'Indiana
Dire che il prossimo fotografo è un individuo interessante è sia accurato che, allo stesso tempo, una descrizione clamorosamente inadeguata. Nato l'11 giugno 1934 a Detroit, Jerry Uelsmann è uno di quei grandi artisti che vola appena sotto il radar del mainstream, ma il cui lavoro è davvero unico e stimolante. Come molti, la sua ascesa nel mondo della fotografia è stata lenta e scrupolosa. Ha scoperto la fotografia da adolescente. Per sua stessa ammissione credeva che attraverso la realizzazione di foto fosse in grado di vivere al di fuori di se stesso e risiedere in un mondo di sua creazione.
Alla fine avrebbe conseguito lauree in più college e alla fine si ritrovò a insegnare fotografia all'Università della Florida nei primi anni '60. La sua carriera è iniziata nel 1967, quando ha realizzato una mostra personale di fotografia al Museum of Modern Art di New York City.
Jerry ha iniziato il suo lavoro circa trent'anni prima dell'avvento dei software di fotoritocco come Photoshop. È diventato famoso grazie alla sua produzione di fotografie in bianco e nero altamente surreali e manipolate. Ha fatto tutto in camera oscura, utilizzando diversi negativi con un massimo di dodici ingranditori, che poi ha letteralmente "sovrapposto" uno sopra l'altro per creare il suo prodotto finito. Molte delle sue immagini combinano elementi del mondo naturale, rappresentazioni umanistiche e oggetti creati dall'uomo.
Lezioni che puoi imparare da Jerry Uelsmann
Non aver paura di post-visualizzare
Se hai appena iniziato con la fotografia, probabilmente avrai sentito alcune frasi chiave menzionate più e più volte. Uno dei più importanti è quello della pre-visualizzazione. Insegnanti e scrittori (me compreso) amano verbalizzare o scrivere analogie poetiche su cosa significhi "vedere" un'immagine prima che l'otturatore venga rilasciato. Ciò che significa questo è che puoi insegnare a te stesso a comporre mentalmente, inquadrare ed elaborare una fotografia prima che sia mai realizzata. Fare fotografie diventa molto più soddisfacente una volta che sei riuscito a sviluppare questa abilità fotografica difficile ma essenziale.
Il rovescio della medaglia è qualcosa di cui si parla raramente, ma è comunque interessante e stimolante. Ciò di cui stiamo parlando qui è l'atto di post-visualizzazione. Questo può essere pensato come l'esatto opposto della pre-visualizzazione di una fotografia, ma non è esattamente così facile. Uelsmann è letteralmente il maestro originale di questo processo. Ha fotografato oggetti e scene distinti, con l'espressa intenzione di realizzare in seguito un'opera finita che fonde insieme gli elementi di ciascuno. In sostanza, ha visto la fotografia completa dopo aver già prodotto una serie di immagini altrimenti non correlate.
Prova tu stesso la post-visualizzazione. Passa in rassegna alcune delle tue vecchie immagini e vedi se il passare del tempo ti aiuta a guardarle in un modo nuovo. Cerca ritagli diversi che potrebbero rendere l'immagine più forte. Verifica se un'immagine potrebbe funzionare bene in bianco e nero e sperimenta con le ombre. Modifica il bilanciamento del bianco e cambia completamente l'atmosfera di una foto. Questo è davvero tutto ciò che è post-visualizzazione; guardare qualcosa che già esiste e vedere cos'altro potrebbe diventare.
Un'immagine che ho realizzato più di quattro anni fa.
Qui lo vediamo in un modo completamente diverso dopo alcune recenti elaborazioni creative.
Realizza la tua visione
Rimani fedele alla tua visione. Questa è la frase chiave che dovresti togliere da questo punto. Uelsmann ha prodotto immagini che erano difficili da capire per alcuni. Non furono prontamente accettati e le tecniche che usò furono viste da alcuni come nient'altro che inganni. Tuttavia, ha prodotto le immagini che voleva indipendentemente dalla manipolazione che doveva fare in camera oscura.
Fai quello che devi fare. Che si tratti di post-elaborazione, filtri, bordi originali, strana selezione di colori, qualsiasi cosa. Potrebbe non essere gradito a tutti, ma questo è il bello della fotografia. Fai tutto il necessario per ottenere l'immagine che ti sei prefissato di realizzare.
Fallirai, ma non sei un fallimento.
Jerry Uelsmann è il classico caso di qualcuno che ha rifiutato di arrendersi. Ha continuato a provare nonostante le sue difficoltà iniziali a scuola e la scarsa accettazione dei suoi primi lavori. Invece di chiudere definitivamente le porte della sua camera oscura, decise di andare avanti. Realizzare immagini che lo commuovessero era il suo obiettivo e non ha lasciato che l'attrito della vita lo fermasse.
La natura stessa del suo lavoro, che all'inizio era scoraggiante, iniziò ad essere ciò che la gente cominciò ad amare. Quindi, se sei bloccato su un progetto, hai problemi con un cliente o anche se la tua videocamera sembra non essere imparabile, ricordati di andare avanti. Niente che valesse la pena fare era mai facile.