Essendo uno dei tre colori primari nella teoria dei colori tradizionale e nel modello di colore RGB, il maggiore impatto del blu è nella sua capacità di trasmettere forti emozioni. Il pittore Vincent van Gogh una volta disse "Non mi stanco mai del cielo blu", il suo fascino si è rivelato parte integrante di molti dei suoi dipinti più famosi. In questo articolo daremo uno sguardo dettagliato alla storia del blu nelle arti visive e a cosa significa per la tua fotografia.
La psicologia del blu
Il colore ha un effetto profondo sulla nostra psicologia. Lo scattering di Rayleigh, un fenomeno ottico che fa apparire blu il mare e il cielo, crea un'associazione psicologica tra il colore blu e le qualità percepite del blu in natura. Ad esempio, l'antica dualità del mare e del cielo genera una relazione visiva tra il blu e impressioni di coerenza e fiducia. Le associazioni del blu con l'acqua lo legano alla pulizia e al ristoro ma anche alle lacrime. Di conseguenza, si dice che sia una persona che prova tristezza sentirsi blu.
La fresca luce dell'inverno e la tinta blu del ghiaccio tracciano connessioni tra il blu e il freddo. Il cielo azzurro e limpido è diventato sinonimo di felicità, relax e tranquillità. La tonalità blu della luce del giorno aiuta a regolare i nostri ritmi circadiani. Il blu abbassa anche i livelli di stress, stimolando la calma. Questo ha applicazioni pratiche; gli ospedali sono spesso dipinti nei toni del blu per alleviare l'ansia del paziente. Inoltre, molti farmaci vengono erogati sotto forma di pillola blu.
Si ritiene che il blu simboleggi il genere maschile nelle culture occidentali, anche se non è sempre stato così. In Cina, il blu si manifesta come un colore di guarigione, rilassamento e immortalità. In paesi come la Turchia, la Grecia e l'Albania, si dice che il blu respinga il male. La tradizione indù associa il blu a Krishna, una divinità che incarna l'amore, la virtù e la divinità. Inoltre, in tedesco, svedese e norvegese, si dice che una persona ingenua guardi al mondo con a occhio blu.
Jodhpur - la città blu dell'India.
L'evoluzione del colore blu
Blu egiziano
Il blu egiziano è considerato il primo pigmento sintetico. Prodotto dagli antichi egizi intorno al 2.200 a.C., il blu egiziano era composto da una miscela di calcare macinato, sabbia e un minerale contenente rame (come l'azzurrite o la malachite). La miscela è stata riscaldata fino a 1650 ° F, producendo un vetro blu opaco. Il vetro è stato quindi frantumato e combinato con agenti addensanti per l'applicazione.
Associato al fiume Nilo e al cielo, gli antichi egizi usavano il blu egiziano per dipingere murales, statue e ceramiche. Alla fine, il blu egiziano si diffuse nel Vicino Oriente, nel Mediterraneo orientale e nell'Impero Romano. L'utilizzo del blu egiziano è continuato durante i periodi tardo e greco-romano. Tuttavia, il pigmento si estinse nel IV secolo d.C., quando la ricetta per la sua fabbricazione fu persa.
Ultramarine
Il lapislazzuli è apparso per la prima volta come pigmento nei dipinti del VI-VII secolo d.C. nei templi zoroastriani e buddisti afgani. Durante il XIV e il XV secolo, i commercianti italiani spedirono il pigmento in Europa. Lì, è stato chiamato blu oltremare o ultramarinus (senso oltre il mare in latino).
Per secoli, il costo del pigmento blu oltremare ha rivaleggiato con il prezzo dell'oro. Successivamente, gli artisti hanno utilizzato il blu oltremare solo negli aspetti più imperativi di un dipinto. Questa applicazione giudiziosa è culminata in associazioni tra il colore blu e lo stato.
L'ultramarino rimase costoso in modo quasi proibitivo fino a quando un processo artificiale non fu scoperto nel 1828 da Jean Baptiste Guimet. La produzione commerciale del blu oltremare sintetico era iniziata nel 1830 e divenne nota come Blu oltremare francese.
Blu cobalto
Nell'VIII e IX secolo, il blu cobalto era usato per colorare porcellane e gioielli in Cina. Una versione a base di allumina del blu cobalto fu successivamente scoperta dal chimico francese Louis Jacques Thénard nel 1802. La produzione commerciale del pigmento iniziò in Francia nel 1807.
Resistenti alla luce, stabili e compatibili con altri pigmenti, gli impressionisti come Pierre-Auguste Renoir e Claude Monet adottarono prontamente il blu cobalto come alternativa al costoso blu oltremare. Anche i post-impressionisti come Vincent van Gogh e Paul Cézanne usavano il blu cobalto. Secondo il Musee d'Orsay, van Gogh ha utilizzato una combinazione di blu di Prussia, cobalto e blu oltremare per creare le tonalità notturne di Notte stellata sul Rodano. Lo stesso Van Gogh ha affermato che "il cobalto è un colore divino e non c'è niente di così bello per creare atmosfera …"
Ceruleo
Cerulean è una parola latina che si traduce come cielo blu. Originariamente composto da stannato di magnesio cobalto, il ceruleo è stato raffinato da un processo sviluppato nel 1805 da Andreas Höpfner in Germania. Il ceruleo non fu venduto come pigmento per artisti fino al 1860 da Rowney and Company. Quando è diventato disponibile, tuttavia, il colore, che varia tra l'azzurro e l'azzurro scuro, si è rivelato popolare tra gli artisti.
Nel 1999, Pantone ha rilasciato una dichiarazione in cui dichiarava Cerulean Blue come il colore per il millennio. Leatrice Eiseman, direttrice esecutiva del Pantone Color Institute, ha dichiarato che “… il blu ceruleo può portare una certa pace perché ti ricorda il tempo passato all'aria aperta, su una spiaggia, vicino all'acqua… inoltre, rende l'ignoto un po 'meno spaventoso perché il cielo … è una costante … questo è il fattore di affidabilità del blu. "
Lisa Herbert, vicepresidente, comunicazioni aziendali in tutto il mondo, Pantone Inc., ha continuato dicendo "i nostri studi dimostrano che il blu è il principale colore preferito … indipendentemente dalla cultura, dal sesso o dall'origine geografica … (negli) Stati Uniti (e) in Europa e Anche in Asia. Abbiamo scelto il blu ceruleo come colore ufficiale per il millennio a causa del suo fascino di massa ".
Cerulean è la parola latina per celeste
blu di Prussia
Il blu di Prussia è stato apparentemente scoperto per caso. Intorno al 1706, il produttore di pigmenti e coloranti Johann Jacob Diesbach mescolava insetti cocciniglia schiacciati, solfato di ferro e cloruro di potassio per creare un lago rosso cocciniglia. A sua insaputa, la potassa che usava era contaminata da sangue animale. La miscela risultante si è rivelata il primo pigmento sintetico moderno, un ricco blu scuro che è stato rapidamente riconosciuto per le sue applicazioni artistiche.
Il blu di Prussia poco costoso, facilmente prodotto, non tossico e dai colori intensi si è diffuso nel mondo dell'arte. Pieter van der Werff's Tumulazione di Cristo è il più antico esempio conosciuto di blu di Prussia in un'opera d'arte. Altri primi esempi includono quello di Antoine Watteau Pellegrinaggio a Cythera e dipinti prodotti a Berlino nel 1710 da Antoine Pesne.
L'artista giapponese della xilografia Katsushika Hokusai ha usato il blu di Prussia (così come la tintura indaco) per creare il Grande onda al largo di Kanagawa. Nel 1842, gli esperimenti dello scienziato e astronomo inglese Sir John Herschel con il blu di Prussia portarono all'invenzione del cianotipo.
Blu Klein internazionale
International Klein Blue (IKB) è una tonalità blu intenso sviluppata dall'artista francese Yves Klein e Edouard Adam, un fornitore parigino di vernici artistiche. Klein sospese il suo pigmento blu oltremare preferito in un legante di resina sintetica opaca a base di estratti di petrolio. Ciò ha permesso di applicare la ricca tonalità blu senza la perdita di vivacità. Le tele monocromatiche e le elaborate imprese performative sono state sostenute dall'ampio uso da parte di Klein del brillante IKB.
YInMn blu
Proprio come il blu di Prussia, YlnMn (pronunciato Yin Min) blu è stato scoperto per caso. Nel 2009 presso la Oregon State University, il professor Mas Subramanian e il suo allora studente laureato Andrew E. Smith stavano studiando nuovi materiali per la produzione di elettronica. La coppia stava sperimentando le proprietà dell'ossido di manganese riscaldandolo a circa 2000 ° F. Ciò che emerse dalla fornace, tuttavia, era un sorprendente composto blu. Prende il nome dalla sua composizione chimica di ittrio, indio e manganese, il pigmento blu YlnMn è stato rilasciato per uso commerciale nel giugno 2016. Secondo la società di vernici Derivan, il blu YlnMn è "non tossico con eccellenti caratteristiche di archiviazione".
Blu nelle arti visive
Dall'arte antica al Rinascimento
Il blu è una presenza duratura in tutta la storia dell'arte. Gli antichi egizi decoravano murales e tombe con sfumature di blu. Le pareti delle ville romane a Pompei avevano affreschi di cieli azzurri. Gli artisti greci usavano il blu come colore di sfondo dietro i fregi sui templi greci e per colorare le barbe delle statue.
Il blu scuro era ampiamente utilizzato nella decorazione delle chiese nell'impero bizantino. L'arte bizantina raffigurava Cristo e la Vergine Maria vestiti di blu scuro o viola. Elaborate piastrelle blu scuro e turchesi sono state utilizzate per decorare moschee e palazzi dalla Spagna all'Asia centrale.
All'inizio del Medioevo in Europa, il blu giocava un ruolo meno significativo rispetto a quello degli altri colori. Tuttavia, nel 12 ° secolo, i pittori in Italia e in tutta Europa furono istruiti dalla Chiesa cattolica romana a dipingere le vesti della Vergine Maria con blu oltremare, il pigmento più nuovo e più costoso dell'epoca. Il guardaroba aggiornato della Vergine Madre ha fatto sì che il blu fosse associato a santità, umiltà e virtù.
Durante il Rinascimento, gli artisti iniziarono a dipingere il mondo come lo si vedeva nella vita reale, mescolando tonalità blu con vernice bianco piombo per articolare ombre e luci. In Tiziano Noli me Tangere e Bacco e Arianna, diverse tonalità di blu sono stratificate per coltivare profondità e tensione. In un altro esempio, la Madonna del prato di Raffaello raffigura Maria che indossa un mantello blu intenso su un abito rosso, un contrasto sorprendente su uno sfondo popolato di tonalità marroni e celesti.
Dal rococò all'arte contemporanea
Il movimento artistico rococò raffigurava la mitologia e rappresentazioni spensierate della vita domestica dell'alta borghesia con cieli blu pastello e ricchi arredi blu. Il romanticismo usava il blu prevalentemente per trasmettere il dramma nei cieli, e gli impressionisti come Claude Monet usavano il blu per indagare la luce e il movimento nei paesaggi sia naturali che artificiali.
Enfatizzando il colore forte sulla rappresentazione, le figure del fauve Henri Matisse in Danza cerchio nudo sotto un cielo azzurro aperto. Il seminale Starry Night dell'espressionista van Gogh, trasmette il cielo notturno in blu e gialli attivi. L'ampio uso del blu di Prussia da parte del cubista Pablo Picasso ha definito il suo periodo blu, mentre i surrealisti hanno adottato il blu per orientare e disorientare allo stesso tempo lo spettatore.
A partire dal XX secolo gli artisti hanno iniziato a liberarsi dai confini del letterale. Di conseguenza, gli artisti hanno guardato al colore come strumento per canalizzare le emozioni. Esemplificato nell'espressionismo astratto, quello di Jackson Pollock Poli blu, è costituito da fili caotici di neri, verdi, arancioni, bianchi, gialli e grigi temperati da nove linee blu verticali. Mark Rothko ha sperimentato ampiamente con il blu, così come Barnett Newman, entrambi artisti che usano il colore come strumento per trascendere i confini della tela. E il blues macchiato di Helen Frankenthaler enfatizza sia l'appiattimento che la dimensionalità dello spazio.
Con l'arrivo di tecnologie e materiali moderni, gli esempi contemporanei di blu nell'arte sono ricchi e vari. Il cristallino di Roger Hiorns Crisi, ha trasformato lo spazio con il colore, la luce e la chimica. Katharina Fritsch's Hahn / Cock gioca con il nostro senso di scala e di relazione con gli animali. E quello di Anish Kapoor Sky Mirror, blu sfida le nostre percezioni di un ambiente urbano, reimmaginando il paesaggio attraverso la lente di un grande specchio concavo blu.
Blu nella fotografia
Nate dalla natura e dall'arte, le associazioni del blu svolgono un ruolo fondamentale nel trasmettere la natura dell'immagine fotografica. Luigi Ghirri ha esplorato la relazione tra forma e spazio incorporando grandi campi di cielo blu nelle sue immagini. Il pioniere del colore Martin Parr utilizza il blu intenso per creare una giustapposizione surreale tra soggetto, oggetto e natura. Bill Henson utilizza tonalità blu per coltivare drammi fotografici esperienziali. David Burdeny fotografa paesaggi di precisione, usando il blu per illustrare la materialità dei suoi panorami astratti. Mentre Gregory Crewdson e Didier Massard usano entrambi il blu per segnalare l'ora, il luogo e l'atmosfera nelle loro immagini.
Il colore blu ha anche altre applicazioni nella fotografia. L'ora blu che si verifica subito dopo il tramonto e poco prima dell'alba è un periodo in cui il sole scende sotto l'orizzonte e la luce solare residua assume una tonalità blu. Apprezzata per la sua morbida qualità della luce, l'ora blu è apprezzata dai fotografi di ritratti e di paesaggi. Inoltre, i filtri blu (applicati sulla fotocamera o in post produzione) vengono utilizzati nella fotografia in bianco e nero per aumentare l'aspetto di nebbia e foschia.
Conclusione
Yves Klein una volta ha detto che "il blu non ha dimensioni, è oltre le dimensioni". Nel corso della storia, il blu ha comunicato l'ineffabile, trascendente colore e toccando la nostra spiritualità e il senso di sé. Associato alla natura, alla calma, al rispetto, alla purezza, alla fiducia e al dolore, il blu incarna il peso visivo dell'emozione e dell'esperienza umana.
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