Fotografare opere d'arte può sembrare un compito semplice, ma spesso è difficile farlo bene. Ci sono ostacoli tecnici da superare, come ottenere un'esposizione uniforme, evitare i riflessi, mettere a fuoco con precisione, scegliere la giusta apertura e così via. In questo articolo, ti darò alcuni suggerimenti su come fotografare opere d'arte che rendono il processo molto più semplice!
Particolare di "La nona onda" (1850) di Ivan Aivazovsky. Museo Russo, San Pietroburgo.
Suggerimenti per fotografare opere d'arte
I suggerimenti che sto per dare riguardano principalmente l'arte 2D, ovvero dipinti, disegni o stampe in qualunque forma provengano. Ho fotografato la maggior parte di loro, dai grandi dipinti ad olio nei musei nazionali alle illustrazioni dei giornali antichi a casa.
Darò anche alcuni suggerimenti su come fotografare la scultura. La creazione di immagini di successo di arte 3D non è sempre semplice.
bilanciamento del bianco
Quando si fotografa un'opera d'arte, il bilanciamento del bianco non è obiettivo: c'è una decisione creativa da prendere. Vuoi preservare il colore dell'arte come lo vedi o dovresti neutralizzarlo e rendere bianchi i bianchi? Sarai uno storico o un restauratore?
Ho potuto ripristinare il candore e il colore originale in questo giornale vittoriano con un solo clic, ma utilizzando una scheda grigia, ho riprodotto il suo stato di 125 anni. L'illuminazione è luce diurna dall'alto.
La carta e la vernice tendono a scolorirsi con l'età, tipicamente con l'ingiallimento. Quindi, devi decidere se vuoi copiare ciò che vedi o riportare indietro l'orologio. Questo presuppone che tu abbia ragione nelle tue ipotesi sul colore originale.
Per "correggere" il bilanciamento del bianco, ci sono due approcci principali:
- Per far apparire bianchi i bianchi: scegli un'area all'interno dell'opera d'arte che dovrebbe essere di tono neutro, preferibilmente un grigio medio se esiste. Cliccando su quest'area con uno strumento di bilanciamento del bianco, equalizzerai i valori RGB e, con un po 'di fortuna, correggerai il colore nel resto dell'immagine. I problemi sorgono quando l'opera d'arte è invecchiata di più in alcuni punti rispetto ad altri, il che tende a creare brutte macchie gialle quando si esegue una regolazione del bilanciamento del bianco.
- Per preservare i segni del tempo: utilizzare un cartoncino grigio per correggere la luce che illumina l'arte, che mantiene il colore esistente dell'opera d'arte compresi i segni del tempo. Ci sarà ancora un leggero cambiamento di colore poiché l'aspetto di tutti gli oggetti è influenzato dalla luce sotto cui cadono. Ma manterrai l'aspetto generale dell'età. Puoi sempre riscaldare un po 'la foto se vuoi enfatizzare l'aspetto antico.
Una terza opzione, se non hai toni neutri nell'immagine né alcuna scheda grigia, è di giocherellare con i cursori della temperatura del colore e della tinta finché non pensi che il bilanciamento del bianco sia corretto. La correzione del colore con la vista è incostante, tuttavia, e mai accurata come usare i numeri.
Una cosa che sappiamo della neve è che sembra più bianca. L'illuminazione artificiale e / o l'invecchiamento fanno sì che questo dipinto risulti giallo in una foto. Uno strumento di bilanciamento del bianco lo ripristina rapidamente, anche se è difficile sapere sempre come appariva un dipinto fresco. Artista: Ferdinand Schmidt (1900 circa), Museo La Piscine, Roubaix.
La fonte di luce fa un'enorme differenza per il bilanciamento del bianco. Evita l'illuminazione mista se puoi. Nei musei non troverai spesso dipinti sotto sorgenti di luce mista, ma lo stesso non vale per la scultura. Una miscela di luce artificiale calda e luce della finestra provoca forti dominanti di colore arancione o blu nelle aree locali dell'immagine. Questo può essere difficile da affrontare in post-elaborazione.
I musei d'arte non tendono a esporre dipinti sotto luci miste, ma potresti trovare sculture vicino a una finestra. Ciò si tradurrà spesso in luci blu e ombre arancioni. Scultura: Epicuro e Metrodoro, Museo del Louvre.
Correzione del colore, profili DNG, sorgenti luminose
Abbiamo parlato della correzione del bilanciamento del bianco quando si fotografano opere d'arte, ma puoi portare la correzione del colore oltre. È inoltre possibile correggere le caratteristiche della fonte di luce.
Le sorgenti luminose fluorescenti e LED sono più efficienti dal punto di vista energetico rispetto alle vecchie luci a filamento e non trasmettono calore verso l'esterno. L'illuminazione a LED è ormai molto comune nei musei d'arte. Eppure la sua luce è di qualità inferiore dal punto di vista fotografico rispetto a quella delle alogene.
Le sorgenti luminose moderne emettono uno spettro discontinuo oa banda stretta, il che significa che riproducono i colori in modo incoerente e talvolta per niente attraverso lo spettro visibile.
I musei e le gallerie d'arte utilizzano una fonte di luce per illuminare i dipinti. Potrebbe essere luce diffusa dall'alto o faretti su un sistema di illuminazione a binario. Foto di Riccardo Bresciani da Pexels
In una certa misura, puoi giudicare la qualità delle luci LED / fluorescenti dalla loro classificazione CRI. Hai bisogno di 90+ se stai acquistando per loro, ma una valutazione alta non li rende uguali alle sorgenti luminose tradizionali. Il test CRI è un test indulgente e non standardizzato che utilizza alcune patch di colore, quindi la differenza tra il 95% e il 100% è maggiore di quanto suggeriscono i numeri. Le lampade a incandescenza e alogene ottengono il 100% per impostazione predefinita.
Un modo per migliorare il colore nelle foto quando si scatta un'opera d'arte con fonti di luce moderne è creare un profilo DNG. Per questo, utilizzi un prodotto come X-Rite Color Checker e il software X-Rite o Adobe. Quindi si applica questo profilo nella fase di conversione raw, se il software lo supporta.
Questa pagina di un antico libro di storia della prima guerra mondiale è chiaramente illuminata da destra. Nota che X-Rite Color Checker include patch neutre per la correzione del bilanciamento del bianco e patch di colore per i profili DNG.
Se si tenta di correggere l'illuminazione a LED o fluorescente a occhio, è probabile che sia necessario il dispositivo di scorrimento "tinta" nei convertitori grezzi. Queste sorgenti luminose variano notevolmente nella loro emissione lungo un asse dal verde al magenta. Le vecchie lampade a filamento non si comportano allo stesso modo: la loro potenza si trova sempre lungo la scala Kelvin arancione-blu.
Luce della finestra - Pro e contro
Questa vecchia pubblicità era esposta all'esterno. Sebbene la temperatura del colore della luce diurna vari, nessun'altra sorgente di luce mostra il colore così completamente attraverso lo spettro visibile. Museo KattenKabinet, Amsterdam.
Non potrai mai battere la luce del giorno per la sua capacità di visualizzare tutti i colori dello spettro visibile con poca distorsione. È una fonte di luce ideale per l'arte. L'unico problema è che non puoi controllarlo molto bene. Se usi la luce della finestra per fotografare un'opera d'arte, l'esposizione sarà probabilmente irregolare da un lato all'altro. Potrebbe esserci uno stop o più differenza. Puoi ridurlo a circa mezzo stop o meno se usi un riflettore.
Ovviamente puoi anche aumentare l'esposizione in post-elaborazione. Una cosa che puoi fare è fotografare una carta bianca o un foglio di carta bianca sotto la stessa luce, il che rende evidente l'esposizione irregolare quando la vedi sul computer. Usa quello che vedi lì per correggere altre foto durante lo scatto.
Se fotografi una cartolina alla luce di una finestra, capovolgerla rende più evidente l'esposizione irregolare. La parte destra di questa foto è del 25% più luminosa della sinistra.
Utilizzare pennelli di regolazione, livelli e maschere di livello o un filtro a densità neutra graduato per correggere l'esposizione non uniforme su un'immagine. Le regolazioni locali sull'immagine come quelle trovate in DxO PhotoLab sono buone. Un filtro graduato è un modo semplice per gestirlo, ma puoi usare altrettanto facilmente pennelli con molte sfumature.
Prospettiva: posizionare l'arte per una foto
Quando si fotografa un'opera d'arte 2D, posizionarla in piano contro una parete o un tavolo e cercare di allineare perfettamente il sensore della fotocamera con esso. Altrimenti, vedrai lo stesso effetto di "distorsione trapezoidale" che ottieni con l'architettura, dove le linee verticali divergono. Il soggetto dell'arte sarà leggermente distorto se lo prendi da un angolo, anche se non sempre in una misura che chiunque lo noterà.
Un modo per allineare una fotocamera con l'arte è usare una livella a bolla su entrambi. Metti alla prova la superficie su cui si trova l'arte per vedere se è uniforme, apportando aggiustamenti con oggetti di scena se necessario (proprio come faresti con una gamba di un tavolo su un pavimento irregolare). Fai la stessa cosa con la fotocamera, utilizzando una livella a bolla d'aria sulla slitta o appoggiandola su una parte piatta della fotocamera su un treppiede. Non ha bisogno di sembrare professionale se fa il suo lavoro.
Idealmente, quando si fotografa l'arte, si desidera che la fotocamera sia al livello del centro dell'immagine. Non ho fatto male con questo scatto a mano libera, anche se è leggermente traballante a destra (i dipinti a parete potrebbero inclinarsi leggermente in alto). La correzione sarà moderata. Artista: Lucien Jonas (1880-1947), Museo La Piscine, Roubaix.
Le livelle a bolla variano nella loro precisione, ma presto vedrai se il tuo metodo funziona o meno con la grafica rettangolare. In tal caso, i bordi orizzontale e verticale si allineeranno con gli angoli di 90 gradi della foto. Se sei fuori posto, vedrai il leggero effetto di distorsione trapezoidale.
Questo importa? È possibile correggere la prospettiva nel software di editing, ma solo con una perdita di nitidezza da bordo a bordo.
Meno devi correggere, meglio è.
Usa le livelle a bolla d'aria insieme a qualsiasi linea perpendicolare nell'opera d'arte per ottenere la migliore prospettiva possibile. Forti correzioni per la distorsione trapezoidale dopo il fatto hanno un effetto negativo sulla qualità dell'immagine, che può o meno essere evidente a seconda dell'uso previsto.
Se tutto ciò che stai facendo è condividere la foto di un dipinto su Facebook, non devi essere pignolo nell'allineare la grafica e la fotocamera. L'uso di una profondità di campo sufficiente compenserà i piccoli errori di messa a fuoco e nessuno ti solleverà su verticali imperfette! D'altra parte, se vendi arte online, vuoi fare il miglior lavoro possibile con le foto.
Scelta dell'obiettivo e profondità di campo
Una buona scelta di obiettivi per fotografare l'arte è un obiettivo a focale fissa da 50 mm o 100 mm con discreta capacità di messa a fuoco ravvicinata. Molte persone usano obiettivi macro, anche perché creano pochissima distorsione a distanza ravvicinata. Uno zoom di alta qualità sarà sufficiente a circa la lunghezza del ritratto.
Non è necessario scegliere un'apertura piccola quando si fotografa arte 2D, poiché non è necessaria molta profondità di campo. Chiudendo l'obiettivo di due o tre stop af / 8 spesso si ottiene una nitidezza ottimale, mentre molto di più riduce la nitidezza per diffrazione.
Precisione della messa a fuoco e visualizzazione dal vivo
Senza dubbio, il modo più accurato per mettere a fuoco quasi tutto è posizionare la fotocamera su un treppiede e utilizzare la modalità live view con messa a fuoco manuale. Inutile dire che non funziona così bene per i soggetti in movimento, ma è la tecnica perfetta per le opere d'arte.
L'utilizzo del live view funziona bene per i soggetti 2D ma non è fondamentale a meno che non si desideri una nitidezza perfetta. È possibile mettere a fuoco adeguatamente attraverso un mirino ottico e lasciare che la profondità di campo si occupi di eventuali piccoli errori.
Per i soggetti 3D come le statue, il live view è inestimabile. Supera problemi come la curvatura del campo, schermi di messa a fuoco imprecisi o punti di messa a fuoco e specchi e sensori disallineati.
Non sono ancora pronto per scattare una foto qui, ma sto allineando una cartolina antica in modalità live view sul treppiede. Un problema con le opere d'arte piatte è tenerle piatte per l'immagine. Puoi usare pezzi di nastro adesivo di alta qualità e clonarli in seguito, ma fai molta attenzione a non strappare la superficie della carta durante la rimozione.
I problemi tecnici spesso rendono difficile ottenere una nitidezza critica dove ne hai bisogno nelle statue, di solito il viso e gli occhi. Potresti non accorgertene a meno che non esegui lo zoom delle foto al 100%, ma è facile che la messa a fuoco sia leggermente sfalsata, specialmente su statue di grandi dimensioni in cui stai scattando verso l'alto.
Non puoi fare affidamento su punti di messa a fuoco o tecniche di messa a fuoco / rimessa a fuoco, poiché non sempre funzionano. Il live view e la messa a fuoco manuale lo superano.
Evitare i riflessi
Quando scatti una foto di arte 2D dietro un vetro, uno dei maggiori ostacoli da superare sono i riflessi.
A volte è più facile passare a un altro argomento, ma ci sono modi per evitare i riflessi nelle foto della tua opera d'arte. Ecco qui alcuni di loro:
- Non utilizzare il flash diretto sulla fotocamera. Creerà un orribile hotspot nel vetro che è impossibile rimuovere dopo il fatto.
- Usa sorgenti luminose direzionali dal lato - preferibilmente due alla stessa distanza (una su entrambi i lati del disegno). La luce non direzionale è più morbida ma creerà riflessi da altri oggetti nella stanza.
- In un museo, indossare abiti neri può aiutare a fotografare piccole opere d'arte poiché si presenta meno nei riflessi e assorbe la luce da altre fonti di luce.
- Invita amici o parenti in abiti scuri a stare vicino all'arte e bloccare i riflessi.
- Usa un grande schermo / schermo nero e spingi l'obiettivo attraverso di esso per fotografare l'oggetto - stessi motivi degli indumenti neri ma più efficaci.
- Usa un filtro polarizzatore per eliminare gran parte del bagliore (aumenta il tempo di esposizione o ISO, quindi non è l'ideale per scatti a mano libera in musei poco illuminati).
- Scatta con una leggera angolazione per eliminare i riflessi e regolare la prospettiva in fase di post-elaborazione. Esagerare ridurrà notevolmente la nitidezza da bordo a bordo.
- Esamina attentamente la grafica per riflessioni che potrebbero non essere immediatamente evidenti: hanno l'abitudine di essere più evidenti su un PC.
Catturare la trama
Se vuoi catturare la trama in un'opera d'arte (ad esempio la pittura a olio), l'ultima cosa che vuoi è una fonte di luce diffusa come una lampadina fluorescente. Quello di cui hai bisogno è una fonte di luce direzionale da un lato.
Nei dipinti ad olio, la trama rivelatrice di solito significa che una parte della luce si rifletterà nell'obiettivo, il che può distrarre. Si tratta di controllare l'effetto in modo che le luci spettrali non rovinino l'immagine. Un filtro polarizzatore aiuterà fintanto che non rende inutilizzabili altri parametri di ripresa.
I riflessi in questo ritratto dipinto ad olio enfatizzano la trama ma distraggono. Come tutte le alte luci spettrali, i riflessi nell'arte devono essere sottili e tenuti lontani dai punti focali.
Si noti che l'illuminazione a LED è direzionale per natura. Puoi improvvisare a casa installando faretti a LED G50 a fascio stretto o simili. Altrimenti, puoi controllare l'illuminazione artificiale diffusa o l'illuminazione flash con modificatori come lo snoot.
Pochi artisti hanno stabilito una pittura più densa o selvaggia di Vincent van Gogh. Puoi vedere la luce riflessa in questo dettaglio da uno dei suoi dipinti, ma è abbastanza sottile da non sminuire il quadro più ampio. Foto da rawpixel.com / Yale University Art Gallery (Fonte)
Copia stand, tavoli luminosi e tende luminose
Se stai fotografando opere d'arte abbastanza piccole, puoi essere ultra-professionale utilizzando attrezzature pensate per il lavoro. Personalmente, mi piace risparmiare denaro utilizzando i metodi di Heath Robinson, ma non tutta l'attrezzatura che citerò è costosa. Potrei persino convincermi a comprarne un po '…
Supporti per copie
I supporti per fotocopiatrici includono una base, due luci, una colonna e un braccio per sostenere la fotocamera. Sono ideali per fotografare grandi volumi di flat art perché sono pronti per l'uso, mentre la configurazione di treppiede, fotocamera e luci richiede tempo. I supporti per copie di solito costano circa $ 200, ma puoi ritirarli di seconda mano per meno della metà.
Tavoli luminosi
I tavoli luminosi vengono spesso utilizzati per creare foto di prodotti con uno sfondo bianco chiaro e uniforme. Potresti usarne uno altrettanto facilmente per piccole opere d'arte e ornamenti. Uno stand di copia è una scommessa migliore se vuoi registrare opere d'arte piatte senza uno sfondo.
Tenda o cubo leggero
Le tende leggere tendono ad essere cubi a cinque lati tenuti insieme da fili o telai di plastica. I lati sono realizzati con un materiale traslucido che lascia passare la luce diffusa. Vengono forniti anche vari sfondi. Alcune tende hanno un'apertura nella parte superiore che ti consente di puntare l'obiettivo verso il basso. Questo è l'ideale per fotografare opere d'arte piccole e piatte.
Hai bisogno di un'esposizione uniforme per l'arte piatta, quindi luci di uguale intensità e distanza su entrambi i lati della tenda sono buone. Con la scultura, l'illuminazione irregolare crea modellazione e sottolinea la forma, quindi l'allestimento è diverso.
Le tende leggere possono essere facilmente realizzate a casa costruendo un semplice telaio e coprendolo con materiale traslucido. Foto: Alison Christine del North Yorkshire, Regno Unito (CC BY 2.0) tramite Wikimedia Commons
Le tende leggere sono spesso economiche da acquistare, a differenza dei tavoli luminosi e dei supporti per fotocopie. Spesso sono anche fragili, ma vale la pena provarli per pochi dollari. Nessuno spettatore metterà mai in dubbio la tecnica o quanto hai speso per l'attrezzatura se l'immagine funziona.Perché fotografare opere d'arte invece di realizzarle?
Fotografare l'arte di altre persone può sembrare inutile, ma è un esercizio utile per sviluppare il tuo occhio creativo. Questo è particolarmente vero se isoli aree di un dipinto o di una scultura, il che ti costringe a studiare l'arte da vicino. Ci sono spesso più immagini all'interno di un'immagine.
All'interno di dipinti più grandi, vedrai dettagli deliziosi. Qui, una giovane ragazza si distrae con i fiori mentre forse un po 'annoiata a un tavolo di nozze. Artista: Albert Fourié (1854-1937), Musée des beaux-arts de Rouen.
L'unica attività che sconsiglio vivamente è quella di fare copie dirette del lavoro di artisti vivi o di recente (a meno che non siano tuoi clienti e non ti abbiano incaricato di farlo) e cercare di fare soldi da loro. Quindi, sei su un ghiaccio morale e legale molto sottile (in effetti, ci sei caduto). La durata del copyright varia da paese a paese.
Certo, potresti fotografare la tua arte per condividerla online o venderla su eBay. Non c'è motivo fotografico più puro della condivisione. Il desiderio di condividere è, dopo tutto, nel cuore della maggior parte degli artisti, indipendentemente dalle dimensioni del pubblico.
Hai altri suggerimenti per fotografare opere d'arte che vorresti condividere? Si prega di farlo nei commenti.