Quando insegno la fotografia digitale moderna spesso dimentico che chi è nuovo nell'arte generale della fotografia potrebbe non avere familiarità con i termini e le tecniche classiche e ho bisogno di fare un passo indietro. Questo post è per coloro che avrebbero sempre voluto chiedere: "Cosa intendono le persone quando dicono" brucia "e" schiva "in fase di post-elaborazione?". Se riesci ancora a sentire l'odore dei fumi della camera oscura quando parlo di questi termini, puoi saltare questo post.
Bruciare e schivare sono due tecniche della camera oscura utilizzate durante la stampa di un'immagine. Un negativo viene posizionato in un proiettore e quindi puntato su un pezzo di carta fotografica (proprio come un proiettore per diapositive proietta un'immagine su uno schermo). Quella carta fotografica non è come la carta su cui potresti essere abituato a stampare a casa ora. È sensibile alla luce, proprio come i film, e questa è l'intera ragione per creare una camera oscura; per controllare la quantità di luce che colpisce la carta che la esporrà.
Quindi, la luce del proiettore passa attraverso il negativo e poi colpisce la carta. La tempistica dell'esposizione alla luce è controllata con determinate tolleranze così come è stata controllata l'esposizione originale della scena sul negativo. La luce colpisce il negativo in modo uniforme e poi colpisce la carta in modo uniforme. Funziona bene se la scena è anche bilanciata. Ma cosa succede se ci sono aree che devono essere più chiare o più scure? È qui che entrano in gioco bruciare e schivare e sono semplici.
La chiave per questi termini e per comprenderli è ricordare che la carta è bianca. Lo schivare è il processo di copertura di una parte della luce che colpisce la carta, creando un'area in ombra che non riceve la stessa esposizione alla luce del resto della scena. Poiché questo riduce la quantità di luce che colpisce la carta (ricorda; luce che colpisce la carta = esposizione più scura), lascia trasparire una parte maggiore della carta bianca, schiarendo efficacemente l'immagine in quell'area. La masterizzazione è l'opposto, consente solo alla luce di entrare in un'area dell'immagine per aumentare il tempo di esposizione in quella regione e creare un'immagine più scura per quell'area.
Entrambi impiegano vari metodi di copertura, dal semplice utilizzo di una mano o di un pezzo di carta alla creazione di modelli personalizzati. Inoltre, il bordo della scherma o della bruciatura può essere ammorbidito spostando leggermente il rivestimento quando la carta viene esposta.
Tutto ciò consente a un fotografo di creare esposizioni diverse in un fotogramma, che possono imitare più da vicino la scena com'era al momento dello scatto, o di usare l'espressione artistica per modificare un'immagine a proprio piacimento.
Allora, come puoi usare queste tecniche per il tuo guadagno nell'era moderna?
Mostrerò queste tecniche in uso su Adobe Lightroom, ma possono essere praticate su qualsiasi programma che consenta mascheramento selettivo e modifiche dell'esposizione.
Innanzitutto, l'immagine di una recente recensione di un obiettivo Sigma 50-500 mm (fare clic su qualsiasi immagine per una versione più grande).
La foto è stata scattata con un iPhone ed esposta per l'obiettivo con cieli grigi e nuvolosi. Voglio evidenziare l'obiettivo e diminuire lo sfondo. La prima cosa che faccio è scegliere il pennello di regolazione e la funzione Brucia in quanto tale:
Per questa foto, l'impostazione Brucia non è abbastanza scura per me, a dire il vero. Prendo l'esposizione per questa maschera a -1,17 e questo è il risultato:
La fotocamera e l'obiettivo sono ora più scuri, aiutandoli a risaltare meglio sullo sfondo. Ora voglio fare l'opposto con lo sfondo. Voglio schivarlo per schiarirlo, evidenziando ulteriormente la lente. Comincio dipingendo una maschera dello sfondo:
Ancora una volta, la scherma non è di mio gradimento e invece cambio l'esposizione per questa maschera in modo che sia più leggera.
Con queste maschere, posso anche modificare il contrasto o la luminosità (eliminati in Lightroom 4) per evidenziare ulteriormente il mio soggetto, se mi piace. In questo esempio mantengo le cose semplici.
Il risultato è lieve, ma può essere più drammatico se necessario.
Prima:
Dopo:
Burning e Dodging esistono da quando la stampa è stata una forma d'arte in cui il fotografo desiderava un maggiore controllo sul proprio mezzo. Le tecniche sono ancora molto rilevanti nell'era digitale moderna di oggi e ora spero che tu abbia una migliore comprensione della provenienza dei termini e del modo migliore per utilizzarli.
Grazie per aver letto.
