Arriva un punto, o un plateau, come nella carriera di ogni fotografo (che tu sia un fotografo intermedio o professionista) in cui sbatti contro un muro. È una crisi del sé che devi affrontare quando hai raggiunto un certo punto di competenza tecnica. Beh, in pratica hai raggiunto un plateau perché conosci già tutti gli elementi della fotografia dalla composizione, alle capacità tecniche, all'editing di immagini, ma in qualche modo manca qualcosa: sostanza, significato, connessione emotiva e trovare il tuo stile.
Quindi ti invito a dimenticare per un secondo quello che sai e dare un'occhiata alla tua fotografia sotto una luce diversa. La composizione e l'abilità tecnica sono certamente fattori importanti nella creazione di buone fotografie, ma come si creano grandi fotografie con un significato?
Rendersi conto che dietro una fotografia c'è molto di più che una semplice rappresentazione visiva di tempo, luogo e soggetto, e può essere molto più gratificante quando sfidi te stesso per trovare la tua voce, la tua prospettiva e creare una connessione emotiva per lo spettatore.
Le tue fotografie mostrano il tuo punto di vista e la prospettiva di come vedi il mondo. Ad esempio, se metti sei fotografi in una stanza e chiedi loro di creare un'immagine unica, ogni fotografia risulterebbe diversa. Fotografi già con significato, semplicemente non ti sei reso conto di quanto il tuo subconscio aggiunga la tua prospettiva alle tue immagini.
Significato in azione
Ora che hai capito che la fotografia è più di un palcoscenico GAS (Gear Acquisition Syndrome), dove stai acquistando le più recenti e migliori fotocamere, obiettivi, software e oggetti vari per la fotografia, è tempo di evolversi in un fotografo migliore - uno con uno scopo.
"La vera domanda non è cosa guardi ma cosa vedi." - Henry David Thoreau
Allora come ti distingui dalla natura tecnica della fotografia? Le abilità che hai ereditato attraverso tutorial, articoli, lezioni, seminari, video online, ecc. Sono ancora lì nella tua mente. Finalmente ti senti a tuo agio a scattare con luci diverse, impostare diversi schemi di illuminazione, conoscere la tua fotocamera e tutto ciò ti tornerà utile quando cucini la tua voce o il tuo stile di ripresa.
Mettendoli da parte, devi imparare un nuovo modo di fotografare, e questo richiederà dedizione e duro lavoro, ma alla fine sarà lo sforzo più gratificante, soprattutto se questo è ciò che vuoi fare per vivere.
La mimica è la più grande forma di adulazione
Il primo passo è provare a scattare nello stile del tuo fotografo preferito. Imparando come creano le loro immagini, sarai indotto nella loro visione, che ispirerà le tue intuizioni creative. Non devi ricreare esattamente un'immagine perfettamente simile a loro, ma cerca solo di capire cosa stanno facendo, quindi prova a ricrearla.
Il secondo passo è prendere le sfide fotografiche. Una sfida fotografica o un compito è un modo per testare i tuoi lati tecnici e artistici, combinati per creare un compito a casa che altri giudicheranno. Essere sottoposti a peer review da altri fotografi non solo ti darà consigli utili, ma ti fornirà una pelle spessa per la critica futura del tuo lavoro.
Potresti avere un certo stile di ripresa da cui sei attratto, come i paesaggi o la fotografia di strada. Ma cosa succede se qualcuno ti sfida a fare alcuni scatti macro, architettonici, ritratti o qualcosa di diverso da quello a cui sei abituato? Ti porta fuori dalla tua zona di comfort e mette alla prova le tue conoscenze di fotografo, fornendoti anche idee da incorporare nel tuo lavoro.
Ora stai usando tutta la tua formazione tecnica sulla fotografia e la metti in pratica. Finalmente ha senso che tu abbia bisogno di conoscere queste abilità tecniche per creare qualcosa con più significato. È proprio come un dottore che ha appena terminato la sua residenza, imparando a diventare un chirurgo. Ti fideresti di questa persona per aprirti senza imparare da altri chirurghi più esperti? È lo stesso con la fotografia, è la formazione sul lavoro.
Devi imparare tutto, testarlo tutto e imparare stili diversi. Quindi, puoi iniziare a vedere il tuo stile che fa capolino, perché hai lentamente imparato a creare la tua visione, studiando coloro il cui lavoro hai una connessione.
Composizione meditativa
Ho capito subito che il mio metodo era trovare un soggetto, comporre, prendere l'atmosfera e aspettare pazientemente. Durante l'attesa, ho assorbito tutto ciò che accadeva intorno a me, senza alcun tipo di nozioni preconcette, ma invece, lasciando che il mondo accadesse intorno a me senza cercare di controllarlo. Era uno stato meditativo, in cui avevo sistemato il mio cavalletto (macchina fotografica su un treppiede) e aspettavo il momento decisivo per scattare (mettendo il pennello sulla tela).
La scorsa estate mi trovavo nel White Sands National Monument vicino ad Alamogordo, nel New Mexico, seduto su una collina di sabbia bianca, a guardare il cielo trasformarsi da una profonda tonalità di blu a un cielo scuro, formandosi in una tempesta di fulmini. I venti iniziarono a salire e la sabbia bianca cominciò a soffiare. Nella mia cornice ho visto il cielo trasformarsi in questo magenta intenso e le sabbie muoversi quasi in un vortice simile a un tornado. Al momento sapevo che dovevo fare clic sull'otturatore e sono stato in grado di catturare un momento speciale componendo e aspettando.
“Ma in una bella fotografia c'è di più che informazioni. Stiamo anche cercando di presentare un'immagine che susciti la curiosità dello spettatore o che, soprattutto, lo induca a pensare - a fare una domanda o semplicemente a guardare con meraviglia pensierosa. Sappiamo che le fotografie informano le persone. Sappiamo anche che le fotografie commuovono le persone. La fotografia che fa entrambe le cose è quella che vogliamo vedere e fare. È il tipo di immagine che ti fa venire voglia di prendere di nuovo in mano la tua fotocamera e metterti al lavoro. " - Sam Abell
Equivalenza
L'equivalenza è un termine usato da quando Alfred Stieglitz ha iniziato a esprimere il suo lavoro come qualcosa di più di una semplice cattura della realtà, ma invece le cose che ha catturato erano emotivamente connesse a lui, che fossero motivi geometrici, persone, ecc.
Il termine equivalenza viene dal pittore astratto, Wassily Kandinsky. La sua missione era creare più emozioni con la sua pittura, in modo che il pubblico che ha visto il suo lavoro potesse trovare e sentire una connessione emotiva con il suo lavoro. Fu Stieglitz, che in un periodo in cui la fotografia era semplicemente documentazione, incorporò l'idea di equivalenza nel suo processo fotografico. Ridotta alla sua forma più semplice, l'equivalenza è la convinzione che i colori, le forme e le linee geometriche riflettano le proprie emozioni interiori. Studiando Kandinsky ha trovato un significato nel proprio lavoro.
Quindi cosa significa per te, un fotografo che cerca di creare fotografie con un significato? Il significato fotografico non è una traduzione letterale di un'immagine. Invece, è un modo in cui usi la tua voce o prospettiva, per creare un'opera che non ha bisogno di essere spiegata, che evoca anche qualcosa / qualsiasi cosa nello spettatore.
Questa equivalenza è ciò che hanno trovato molti grandi fotografi e quando vediamo le fotografie di "Migrant Mother" di Dorothea Lange o "The Falling Soldier" di Robert Capa ne siamo immediatamente colpiti e non dobbiamo capire cosa sta succedendo. Vediamo l'orrore della guerra e lo sguardo di incertezza negli occhi di una madre mentre tiene in braccio i suoi figli.
Unisci i punti
Il bello della fotografia è che una singola immagine può raccontare un'intera storia, o un saggio fotografico può mettere insieme una narrazione importante. Una storia che vale la pena raccontare è come fotografare con significato. Le fotografie sono il tuo modo di mostrare al pubblico il tuo punto di vista, o quello dei tuoi soggetti.
Catturiamo l'esperienza umana, che si tratti di un genocidio o del ritorno a casa dei soldati dalla guerra. Può essere dolore, bellezza, grazia, disgusto, ma le fotografie sono narratori visivi e coloro che capiscono come creare una storia con le loro immagini diventano i più riusciti.
“Per quanto mi riguarda, fare fotografie è un mezzo di comprensione che non può essere separato da altri mezzi di espressione visiva. È un modo per gridare, per liberarsi, non per provare o affermare la propria originalità. E 'uno stile di vita." - Henri Cartier-Bresson
Il lavoro di ogni grande fotografo è stato influenzato da coloro che li hanno preceduti. Alcuni di noi hanno un occhio naturale per la composizione e un ottimo tempismo, ma questo significa che il duro lavoro non aiuterà coloro che non hanno queste capacità, ad acquisirle?
Per fotografare con significato, c'è un percorso letterale per trovare questa scoperta. Per accelerare questo processo ci vogliono duro lavoro, dedizione e umiltà. Devi bruciare le tue schede di memoria e dare un'occhiata a ciascuno dei tuoi frame per vedere cosa funziona e cosa no. Devi guardare i fotolibri dei maestri per vedere la loro visione, per aiutare a coltivare la tua, ricreando le loro opere.
Devi essere paziente, riflessivo e disposto a metterti in situazioni scomode e talvolta persino pericolose, per spingerti davvero a diventare un fotografo migliore.
Creare una connessione emotiva con il tuo lavoro è trovare l'equivalenza che la dirà al tuo pubblico, senza che tu debba nemmeno spiegarti. Quindi, per essere più chiari, per trovare un significato nelle tue fotografie devi essere disposto a studiare, provare, fallire ed esplorare altri generi di fotografia per trovare il tuo posto, la tua visione e per dare uno sguardo più profondo dentro te stesso e il lavoro che fai intendo creare.
Studiando gli antenati della fotografia puoi creare qualcosa di nuovo che è stato influenzato da fotografie potenti e significative. Non è plagio combinare tecniche o processi di altri. Inoltre sarebbe come dire a qualcuno che non ha mai letto un libro e non capisce la trama di scrivere il grande romanzo americano.
Devi imparare a camminare prima di poter correre.