di Declan O’Neill.
Ai tempi dello studente mi veniva richiesto di leggere un libro intitolato Lo specchio e la lampada di M. H. Abrams. A quel tempo, sembrava piuttosto una lettura noiosa sulla tradizione romantica e sulla critica letteraria. Il libro sostiene che, prima del movimento romantico, gli artisti rappresentavano semplicemente uno specchio con la natura. Il loro compito era riflettere accuratamente ciò che vedevano. Con l'arrivo dei romantici, l'artista si è trasformato in qualcuno che regge una lampada per illuminare la scena con la propria passione e visione. Per qualche ragione non sono mai riuscito a dimenticare del tutto questo libro e il suo vero significato è emerso solo anni dopo, quando ho iniziato a mettere in discussione quello che stavo facendo come fotografo.
Dopo molti anni di utilizzo della mia macchina fotografica, mi sono reso conto che la maggior parte delle fotografie che ho scattato erano solo riflessi del mondo che mi si presentava. Era quasi come se le fotografie fossero state scattate a caso: un bel tramonto qui, uno scintillante paesaggio di neve là. Se volessi essere più di uno specchio, come potrei usare una lampada per illuminare i miei soggetti? Eppure l'idea che dovrei diventare un visionario con una macchina fotografica non piaceva perché credo che le immagini dovrebbero stare da sole senza che la presenza del fotografo getti un'ombra su di esse.
Scansione per gentile concessione di Masters of Photography
Quando ho studiato il lavoro dei fotografi che ammiravo, una cosa spiccava. All'inizio ho pensato che fosse una certa ambiguità: avrei visto una cosa e il mio amico avrebbe visto qualcos'altro. Poi ho capito che quello che stavamo vedendo era semplicemente il potere della metafora. L'immagine è stata composta in modo che ci fosse spazio per darle forma al nostro significato. Non era né uno specchio né una lampada. L'immagine era una cifra che permetteva a ogni spettatore di decodificarla a modo suo.
Dubito che qualsiasi fotografo decida deliberatamente di creare metafore a meno che non stia riprendendo materiale per banche di immagini. Sai il genere di cose: un uomo in giacca e cravatta in piedi sulla cima di una catena montuosa che stringe un laptop e guarda il tramonto. Le metafore nelle nostre fotografie sono generalmente involontarie. Quando parliamo di metafore stiamo davvero dicendo che quelle immagini hanno un significato per noi al di là del loro argomento. Per aiutare a spiegare il ruolo della metafora nella fotografia ho bisogno di parlare di pittura.
Ho scoperto la pittura per la prima volta quando avevo vent'anni attraverso le opere dei pittori impressionisti. Mi sono innamorato della delicata morbidezza delle donne di Renoir e dei colori complessi nei paesaggi di Monet.
Mi piacciono ancora ma non soddisfano più. Quando avevo quarant'anni sono andato a una mostra di autoritratti di Rembrandt alla National Gallery di Londra. È stata un'esperienza che ha trasformato per sempre la mia visione dell'arte.
I dipinti rappresentavano la visione mutevole di se stesso di Rembrandt. Iniziando come un giovane dandy ben vestito sulla ventina, i dipinti sono passati attraverso la mezza età a studi dolorosamente onesti di se stesso da vecchio. La sua tecnica pittorica è cambiata da liscia e alla moda a ruvida, quasi rozza. Il suo processo è cambiato deliberatamente con il passare degli anni. In un modo strano la sua tecnica era una metafora del processo di invecchiamento che stava osservando in se stesso.
Potrebbe sembrare molto lontano da questa idea all'arte della fotografia ma, in realtà, non lo è. Molte fotografie che vedo sul web sono belle come è bella l'arte impressionista. Eppure mi lasciano desiderare di più.
Ogni tanto vedrò un lavoro crudo e viscerale e che infrange tutte quelle regole sensate che dovremmo seguire. Parla di un coinvolgimento totale con l'argomento ma, soprattutto, mi fa porre delle domande. Con Rembrandt ho capito che non stavo solo guardando un autoritratto. Stavo guardando un uomo che fa i conti con la propria mortalità. Inoltre, mi ha fatto guardare me stesso ed esaminare il mio viaggio dalla giovinezza all'età.
Con alcune fotografie si nota che l'immagine ha un messaggio nascosto. Queste immagini spesso innescano un riferimento interno e ci parleranno esclusivamente in una lingua che comprendiamo. Forse è inesatto parlare del linguaggio segreto della fotografia. Non è tanto segreto quanto intensamente personale. Come fotografi, controlliamo la composizione e la tecnica, ma questo è solo l'inizio di ciò che facciamo. Il nostro lavoro migliore offre spesso livelli di significato che forse non avremmo mai immaginato.
Declan O’Neill è un fotografo professionista che vive nell'Isola del Sud della Nuova Zelanda.
sito: www.newzealandlandscape.com