La modifica delle fotografie in sé è un'arte. È ciò che ha reso leggendari tanti grandi fotografi. La capacità di prendere i limiti di una rappresentazione bidimensionale di un mondo tridimensionale, applicarli su un tipo di pellicola o sensore digitale, quindi, e solo allora, modellare l'immagine a proprio piacimento.
In effetti, è un'arte, che solleva la domanda: dove è tracciata la linea per il troppo editing?
Come l'arte e come definirla, quella risposta non è semplice. Ognuno di noi ha la nostra interpretazione, ma diamo un'occhiata ad alcuni parametri. Ci sono tre domande che potresti porsi la prossima volta che ti immergi per modificare le tue immagini.
Qual è il mio intento?
Ai tempi del cinema, dovevi avere intenti. Anche se la tua intenzione era "scherzare e imparare alcune cose", hai capito che c'era un costo diretto per quell'apprendimento. Quel costo era di film, carta, soluzioni chimiche e tempo, inoltre denaro.
Ora, sperimentare è così facile che qualsiasi bambino con un iPhone può farlo. Penso che sia una buona cosa. La sperimentazione è una parte vitale dell'espressione artistica ed è particolarmente vero con il fotoritocco.
Avere intento è importante se abbinato alla sperimentazione se speri di imparare, crescere e progredire.
L'intento ti consente di sapere quando la tua sperimentazione va troppo oltre e le tue modifiche sono eccessive. L'intento è una guida meravigliosa, con molta libertà se gliela concedi.
Il mio suggerimento qui è di avere intenzione di sperimentare la tua modifica. Sappi cosa speri di ottenere dalla sperimentazione e avere una direzione generale.
Sono rimasto fedele alla mia visione?
La visione è dove ti porta il tuo intento. Avere una visione artistica aiuta a porre dei limiti al tuo lavoro che è spesso necessario, affinché tutto non si trasformi in caos.
Forse la visione di un fotografo ritrattista è quella di ritrarre ogni soggetto in modo sommesso con luci soffuse e dettagli nitidi. Vogliono mostrare quel lato di ogni soggetto e questo porta al loro intento, più e più volte. È ripetibile.
Questa è una modifica che l'autore ora ammette di aver apportato troppe modifiche, anche se all'epoca era divertente.
In alternativa, forse sei un fotografo di paesaggi che immagina il tuo lavoro come una rappresentazione veritiera di ciò che hai vissuto, non un fantasioso "mondo perfetto". Ti sforzi di ricreare la scena quando torni al tuo computer e utilizzi strumenti per la tua visione finale.
Senza avere una visione di ciò che vuoi produrre, è facile lasciarsi influenzare dal canto delle sirene di strumenti di editing davvero fantastici che ti spingono verso le rocce della rovina del montaggio.
È sostenibile?
Non intendo dire che tutta l'arte, tutte le forme di editing che scegli, devono durare per sempre. Tutti attraversiamo fasi. Questo mi ha colpito più profondamente durante un viaggio a Barcellona di recente e una recensione del lavoro di Goya attraverso i decenni che ha dipinto.
In primo luogo, ci sono state le prime fasi della carriera di Goya in cui esigeva la riproduzione in stile francese e italiano. Questi erano i più importanti. Bellissimi ritratti!
Poi, in seguito, ha avuto uno stile più semplicistico. Pieno di colori semplici e un'interpretazione più libera del mondo che lo circonda con tutti i suoi giocatori.
In una delle ultime sale c'erano mostre del "periodo nero" di Goya. Toni carbone e scuro e scene terribili di difficoltà. Niente a che vedere con quello che aveva prodotto prima.
La maggior parte di noi attraversa periodi. Ciò non squalifica immediatamente nessuno di loro come arte (in senso di editing), ma ci dà un buon specchio.
Siamo il nostro critico più duro e solo noi possiamo guardare indietro al lavoro che abbiamo fatto uno, cinque o vent'anni fa e ritenerlo arte o meno. Se vediamo uno stile, un filo conduttore che attraversa tutti i nostri lavori, è facile dire che abbiamo creato arte. Tuttavia, se troviamo attraverso il beneficio del tempo e della distanza, che qualcosa che pensavamo fossero le ginocchia dell'ape è ora, per i nostri occhi più esperti, spazzatura, possiamo metterlo da parte.
La mania dell'HDR come esempio
Alcuni anni fa, quando la fotografia digitale stava prendendo piede tra le masse, è arrivata la mania dell'HDR. Era un tempo in cui chiunque poteva utilizzare una particolare tecnica per ottenere ciò che è noto come immagini HDR (High Dynamic Range).
Per alcuni, è stato un divertente allontanamento dalla loro normale routine. Altri lo vedevano come un'opportunità per mostrare tutto in una scena; forse non è lo stesso che vedevano i loro occhi, ma meglio dell'alternativa.
Ad alcuni di noi si è rivoltato lo stomaco ogni volta che abbiamo visto una di quelle foto.
Era nuovo ed era nuovo. Inoltre, non si adattava alle visioni di molti fotografi. Oggi è difficile trovare esempi di quei primi tentativi ancora in fase di riproduzione. Non era sostenibile.
Anche se è stato divertente per un po '. Soprattutto per chi ha apprezzato l'allontanamento dalla realtà.
Direi che è stato un caso di troppe modifiche e che ha incontrato la sua probabile fine a causa di ciò.
Conclusione
Sebbene decidere cosa imponga troppe modifiche è soggettivo per lo spettatore e la sua esperienza, spero che le domande che ho posto sopra ti aiutino a guidarti negli sforzi futuri.
Non sono qui per giudicare il tuo lavoro o per dire che potresti sbagliarti. Quella voce, e ciò che la tua arte significa per te, deve venire da dentro di te.
Sviluppa la tua visione. Rimani fedele ad esso. Concentra il tuo intento verso di esso. Allora difficilmente dovrai preoccuparti se sei andato troppo oltre nel tuo lavoro di editing.