Una delle grandi attrattive della fotografia è che mescola arte e scienza. Il lato creativo e artistico è, ovviamente, l'aspetto più importante. Capire cosa rende una fotografia bella e interessante è qualcosa che richiede tempo ed esperienza per padroneggiarla. Ma allo stesso tempo, la tua fotografia non andrà da nessuna parte se non capisci la scienza e la tecnica che servono per creare una fotografia di alta qualità. È l'unione dei due che ti trasformerà in un grande fotografo.
Quindi ecco il processo tecnico alla base della produzione di una fotografia di alta qualità.
1. Nitidezza
Come ha detto Henri Cartier-Bresson, "La nitidezza è un concetto borghese", ma solo se si capisce prima come scattare fotografie nitide. Le fotografie nitide sono al 100% dovute al lavoro che fai con la fotocamera, non in post-produzione. Se devi rendere più nitida una fotografia in post-produzione per farla sembrare buona, allora stai sbagliando.
Velocità otturatore
La velocità dell'otturatore è l'impostazione principale da considerare per creare una fotografia nitida. Se la fotocamera è in mano, la velocità dell'otturatore deve sempre essere 1 diviso per la lunghezza focale per compensare le vibrazioni della fotocamera.
Quindi, se utilizzi una fotocamera full frame con un obiettivo da 50 mm, la velocità dell'otturatore deve essere di almeno 1/50 di secondo. Se stai utilizzando un sensore APS-C ritagliato con una conversione di 1,6, ciò significa che un obiettivo da 50 mm avrà effettivamente l'equivalente di una lunghezza focale di 80 mm, quindi avrai bisogno di una velocità dell'otturatore di almeno 1/80 ° affinché lo scatto sia nitido .
Se stai fotografando persone in movimento e vuoi che siano nitide, suggerisco una velocità dell'otturatore di 1/250 di secondo o superiore per soggetti in movimento più veloce.
Apertura
Dovrai anche considerare quale diaframma vuoi usare a seconda dell'immagine che stai scattando. L'uso più frequente di un'apertura più piccola (con un numero più alto come f / 16) consentirà una maggiore nitidezza della scena. L'unico compromesso per farlo è che dovrai usare un ISO più alto se la luce non è l'ideale e stai scattando a mano libera. Un ISO più alto aggiungerà un po 'di rumore all'immagine, ma in molti casi questo ti darà un'immagine di qualità molto più alta perché ti permetterà di usare simultaneamente una velocità dell'otturatore più veloce e un'apertura più piccola. Dovresti avere più paura di usare la velocità dell'otturatore o l'apertura sbagliata rispetto a usare un ISO più alto.
Tuttavia, l'uso di una profondità di campo ridotta (selezionando un'apertura ampia come f / 4) può spesso rendere una fotografia incredibilmente bella. Per immagini come questa, devi prestare ancora più attenzione a mettere a fuoco correttamente. Manca la messa a fuoco con una profondità di campo ridotta rovinerà la tua fotografia. Devi mettere a fuoco il soggetto principale e devi stare attento ai problemi di back focus in cui la fotocamera mette a fuoco lo sfondo per sbaglio.
Avere una buona padronanza di tutto questo è il primo passo per creare una stampa finale di alta qualità. Se fai tutto questo bene, non dovrai pensare alla nitidezza in nessun altro stadio del processo.
2. Luce ed esposizione
Sì, finché scatti in RAW puoi correggere l'esposizione durante la modifica e un'alta percentuale di fotografie dovrà essere modificata un po 'in post-produzione. Tuttavia, più sei bravo a ottenere l'esposizione corretta nella fotocamera, più alta sarà la qualità delle tue fotografie finali. I toni ei colori risulteranno migliori e avrai un punto di partenza più accurato per rendere una fotografia il più bella possibile.
Comprendere la luce è incredibilmente importante per ottenere l'esposizione corretta nella fotocamera. Tutti rovinano tutto qualche volta, ma capire le situazioni in cui l'esposimetro della fotocamera può sbagliare ti aiuterà a ridurre al minimo questi errori.
L'esposimetro nella tua fotocamera vuole sempre rendere le cose un grigio neutro. Ad esempio, se ci sono molti oggetti scuri nella tua cornice, l'esposimetro della fotocamera spesso cercherà di schiarire la fotografia per far sembrare quei toni scuri un grigio neutro, quindi l'immagine risultante non sembrerà la scena reale. Per scene con molti toni luminosi come una giornata nevosa, la fotocamera spesso scurirà troppo l'immagine. Un problema simile può verificarsi a causa delle tue sorgenti luminose. Se stai fotografando sotto il sole, il tuo soggetto sarà in ombra mentre tutto il resto sarà luminoso, quindi potresti dover schiarire l'immagine di conseguenza.
È qui che è necessario utilizzare la compensazione dell'esposizione (o scattare in manuale) per ottenere l'esposizione il più vicino possibile da correggere. Più ti avvicini, meno dovrai fare in post-produzione.
3. Composizione
Una forte composizione è una delle chiavi più importanti per creare un'ottima stampa finale. Non ho intenzione di entrare in un intero discorso sulle regole di composizione di lei. Ma basti dire che è molto importante capire che l'idea di composizione deriva dallo scopo di guidare gli occhi di uno spettatore attraverso un'immagine. Una buona composizione muoverà gli occhi di una persona su una stampa in modo logico e piacevole.
Soggetti ben posizionati, luci, linee, motivi e persino colori possono essere utilizzati per muovere gli occhi. Inoltre, è importante sapere che gli occhi di uno spettatore vogliono naturalmente uscire da un'immagine, quindi posizionare gli oggetti negli angoli può fermare questo e aiutare la fotografia a sentirsi più equilibrata. Questo è il motivo per cui i cieli nuvolosi sono generalmente migliori dei cieli sereni perché le nuvole impediscono agli occhi di spostarsi dall'immagine. È anche il motivo per cui i pittori paesaggisti dipingeranno i rami degli alberi negli angoli superiori dei loro paesaggi.
4. Post-produzione primaria
La fase di post-produzione è dove possono accadere molti errori. È molto facile esagerare, in particolare con nitidezza, contrasto, luci, ombre e colore. Il risultato spesso sembra che il fotografo stesse cercando di creare un dipinto invece di una fotografia. Se vuoi dipingere, prendi un pennello.
Quando inizi a lavorare su un'immagine, l'esposizione, la temperatura del colore, il contrasto, le luci e le ombre sono le prime cose da regolare. Se la fotografia è stata scattata bene con la fotocamera, spesso non sarà necessario modificarli molto, ma di solito la maggior parte delle immagini avrà bisogno di un piccolo ritocco.
L'idea qui è di non esagerare. Il realismo è importante affinché una fotografia abbia un bell'aspetto. Non è necessario vedere ogni piccolo dettaglio sia nelle luci che nelle ombre. Se vuoi questo, devi uscire e scattare al momento giusto della giornata per creare quel look: la mattina presto, a fine giornata o in una giornata nuvolosa. È così che si ottengono fotografie con toni uniformi. La creazione di toni uniformi nelle immagini in cui non era il caso nella scena originale renderà la fotografia falsa. In una nota simile, può essere molto importante mantenere alcune imperfezioni nelle foto. Le imperfezioni possono mantenere un'immagine come un momento reale e straordinario, al contrario di un dipinto idealizzato.
La vignettatura è spesso un passaggio finale importante nella post-produzione generale perché aiuta a impedire agli occhi di spostarsi dall'immagine e attira maggiormente l'attenzione al centro del fotogramma. Tuttavia, è così facile esagerare. Una vignetta riuscita sarà spesso sottile e impercettibile, ma farà un'enorme differenza per la stampa finale.
5. Colori
Ogni volta che si apportano modifiche a un negativo digitale, possono influire sui colori dell'immagine. L'aggiunta di contrasto, la modifica delle ombre o delle luci o la modifica dell'esposizione avranno tutti un effetto sui colori e li faranno sembrare meno reali. Se devi lavorare molto su un'immagine, presta sempre attenzione a come cambia il colore. A volte dovrai ridurre la forza dei colori (Vividezza o Saturazione) o modificare la temperatura del colore per mantenere il realismo dell'immagine.
È importante assicurarsi di disporre di un monitor calibrato a colori che si calibra abbastanza regolarmente. È impossibile modificare un'immagine correttamente se i colori sul monitor sono spenti. La fotografia che tutti gli altri vedranno quando la condividi sarà diversa da quella che vedi sullo schermo e questo è un grosso problema.
Per la stampa, si desidera sempre utilizzare lo spazio colore più ampio disponibile, quindi è necessario utilizzare ProPhoto RGB o Adobe RGB quando si esegue una stampa (verificare con il laboratorio se lo si sta inviando e assicurarsi di utilizzare lo spazio colore consigliato) , ma sRGB è lo spazio colore migliore per mostrare un'immagine su un monitor. Usa sempre sRGB per la condivisione in Internet.
6. Ridimensionamento
Il ridimensionamento prima della stampa è un passaggio molto importante e deve essere eseguito correttamente. Non vuoi mai ridimensionare un'immagine due volte perché ciò influirà in modo significativo sulla qualità dell'immagine, quindi lavora sempre con l'immagine originale e ridimensiona subito prima della stampa. Uso On1 Resize per tutti i miei ingrandimenti e lo consiglio vivamente. Uso Photoshop per ridurre le dimensioni di una fotografia e utilizzo l'impostazione dell'interpolazione bicubica (trovo che il bicubico più nitido, consigliato per le riduzioni, possa effettivamente aumentare la nitidezza dell'immagine finale, ma questa è solo una mia scelta personale).
7. Affilatura
Se scegli di aggiungere un livello finale di nitidezza alla tua stampa, il momento di farlo è all'ultimo passaggio, anche dopo il ridimensionamento. Ciò garantirà la migliore qualità per la stampa finale. Tuttavia, ti consiglio vivamente di non considerare affatto lo sharpening in post-produzione, o almeno di farlo in modo molto sottile. Se segui tutti i passaggi per arrivare a questo punto, la tua immagine sarà già bella e nitida e la stampa finale avrà un bell'aspetto.
Così tante immagini che fluttuano in questi giorni sono troppo nitide a livelli estremi e il risultato sembra incredibilmente falso e croccante. Raramente affilo più le mie stampe tranne che per alcuni scatti fastidiosi. Se hai delle riserve su questo, provalo e crea stampe affiancate, una affilata e una non affilata. Dopo anni di nitidezza delle mie immagini, è quello che ho fatto per giungere finalmente alla conclusione che la nitidezza non aggiungeva più nulla alle stampe. Ho testato una varietà di stampe di diverse dimensioni fianco a fianco con una versione affilata.
Conclusione
Spero che tutti questi passaggi abbiano un senso e ti aiutino nel tuo viaggio per mettere in piedi bellissime stampe incorniciate del tuo lavoro. Molto di tutto questo riguarda l'allenamento dell'occhio, quindi assicurati di guardare frequentemente il lavoro di altri fotografi, in particolare come stampe reali. Frequentare gallerie e musei può essere un modo fantastico per migliorare la tua vista e, in definitiva, la qualità del tuo lavoro.