Quella che una volta era una strana piccola nicchia nella fotografia è ora un fenomeno mondiale. La popolarità della fotografia di cibo sta crescendo solo se i 32 milioni di post attualmente su Instagram sono qualcosa su cui basarsi.
La fotografia di cibo è qui per restare, ma non è un genere facile da padroneggiare.
La nostra guida ti offre alcuni dei migliori suggerimenti e trucchi per aiutarti a ottenere risultati appetitosi.
Attrezzature
Macchine fotografiche
La prima cosa a cui pensare quando sei alla ricerca di un nuovo corpo macchina è la dimensione del sensore.
Sia che tu decida di acquistare una fotocamera con un sensore ritagliato o di investire in una full-frame, il tuo budget probabilmente determinerà la tua scelta.
La cosa importante da sapere è che la fotocamera e gli obiettivi si comportano in modo diverso quando hanno un sensore ritagliato rispetto a un full-frame.
Ogni fotocamera ha un fattore di ritaglio. Questo è un numero utilizzato per descrivere quanto la fotocamera ritaglia la tua immagine rispetto allo standard 35 mm.
Una fotocamera full-frame corrisponde allo standard ritagliato da 35 mm di una tradizionale fotocamera a pellicola. Ha una dimensione del sensore di 24 mm x 36 mm. Un sensore ritagliato è più piccolo di questo ed è quindi più economico da realizzare per i produttori di fotocamere. Non corrisponde a molte lenti e le immagini finali hanno un aspetto diverso.
La Canon Rebel, ad esempio, ha un fattore di crop di 1,6. Ciò significa che moltiplichi 1,6 volte la lunghezza focale dell'obiettivo per ottenere la lunghezza focale effettiva a cui sembrerà che le tue foto siano state scattate.
Su una fotocamera full frame, un obiettivo da 50 mm si comporta come un 50 mm. Metti lo stesso obiettivo su una fotocamera con un sensore ritagliato, si comporta più come un 80 mm.
Lenti a contatto
Le lenti sono dove dovresti spendere la parte più significativa del tuo budget. Dovresti considerarli come un investimento a lungo termine nel tuo mestiere.
Ecco i fattori da considerare:
Nitidezza
La tua più grande preoccupazione quando acquisti un obiettivo è la nitidezza.
Gli obiettivi primari sono preferiti quando si riprende il cibo perché sono più nitidi degli obiettivi zoom.
Gli obiettivi zoom hanno più parti mobili che consentono il funzionamento dello zoom. Ciò tende a ridurre la qualità dell'immagine e la nitidezza.
Le lenti prime sono generalmente "più veloci". Hanno un'apertura massima maggiore, che consente tempi di posa più rapidi.
Ti danno anche una profondità di campo molto più stretta, permettendoti di isolare il tuo soggetto e ottenere quello sfondo sfocato davvero bello che tutti noi amiamo nella fotografia di cibo.
L'obiettivo da 50 mm
Il 50 mm può anche essere un obiettivo utile, soprattutto se non hai uno zoom. Questo obiettivo è adatto per scatti dall'alto e panorami da tavola. Tuttavia, può darti una certa distorsione quando scatti uno scatto in stile ritratto. Nella fotografia di cibo, il 50 mm è effettivamente considerato un obiettivo grandangolare.
Il 50mm f / 1.8 viene spesso definito "nifty-fifty" perché offre risultati decenti a un prezzo molto basso. Se hai appena iniziato e il tuo budget è limitato, prendi questo.
L'obiettivo 24-70 mm
Sebbene i numeri primi siano l'ideale, in realtà è molto utile avere un obiettivo zoom nel kit, come un 24-70 mm.
È molto nitido per un obiettivo zoom e davvero versatile. Molti fotografi di cibo lo considerano un punto fermo nel loro kit.
Il 60mm Macro
Se stai scattando con un sensore ritagliato, una macro da 60 mm è un'ottima scelta.
Su un sensore ritagliato, è più come avere un 100 mm. Se esegui l'upgrade a full frame, puoi usarlo come faresti con un 50mm.
Questo obiettivo ti consente di ottenere scatti a 3/4 angoli del soggetto con un bel bokeh su un sensore ritagliato.
Inoltre, con questo angolo non otterrai la distorsione che avresti quando scatti con una lunghezza focale più ampia, come un 50 mm.
Il 100mm Macro
Un obiettivo eccellente da avere nel tuo kit è un obiettivo macro da 100 mm. Questo obiettivo non è solo per scatti macro o primi piani, sebbene sia ottimo anche per questi.
Allontanandoti ulteriormente dal set, puoi anche ottenere bellissimi scatti in stile ritratto. La lunghezza focale ti darà un ottimo sfondo sfocato.
Se scegli l'obiettivo macro da 100 mm / 105 mm su un sensore ritagliato, scatti a una lunghezza focale di 150 mm.
Questo sarà un raccolto molto stretto, che può essere un problema se lo spazio è un problema.
Treppiedi
Un treppiede è un dovere per la fotografia di cibo. Ti aiuta a creare immagini coerenti e libera le tue mani per lo stile in base a ciò che vedi attraverso la tua fotocamera.
Il requisito principale in un treppiede è la stabilità. Un treppiede deve essere in grado di sopportare il peso della fotocamera e dell'obiettivo.
Quando acquisti un treppiede, cercane uno con altezza e orientamento regolabili. Qui è dove hai una colonna centrale che puoi spostare.
Assicurati che abbia i piedini in gomma per evitare lo slittamento e che abbia un carico utile elevato.
Il carico utile si riferisce alla quantità di peso che il treppiede è in grado di sopportare. Deve sopportare il peso della fotocamera, dell'obiettivo e di qualsiasi altra aggiunta come una staffa o un braccio di estensione.
Stile alimentare
L'obiettivo del food styling è far sembrare il cibo il migliore. La maggior parte del cibo ha bisogno di un po 'di cura per renderlo presentabile per la fotocamera.
Ecco alcune cose da considerare quando ci si avvicina allo styling del cibo:
Usa il cibo più fresco possibile
Il cibo che scatti deve essere il più fresco possibile in modo che appaia accattivante nelle tue immagini. Quando acquisti i tuoi ingredienti, assicurati di acquistare gli articoli più freschi e più belli disponibili.
Tieni sempre a portata di mano la scena, l'illuminazione e la fotocamera prima di posizionare il cibo sul set.
Quando esegui la regolazione con l'illuminazione e le impostazioni della fotocamera, utilizza un sostituto di colore e forma simili a quelli del cibo come sostituto. Sostituiscilo all'ultimo momento con il tuo "eroe" (il tuo argomento alimentare principale), in modo che appaia il più fresco e appetitoso possibile.
Acquista più del necessario
Quando fai la spesa, assicurati di acquistare più di quanto pensi ti servirà per le riprese. Il cibo si secca, si scioglie, diventa marrone o altrimenti inizia a sembrare sgradevole in breve tempo.
Deve essere sostituito con articoli più freschi.
A seconda del cibo, potresti anche aver bisogno di molti oggetti per riempire la cornice.
Placcatura
Il fattore più importante nella scelta dei piatti su cui presenterai il tuo cibo è la dimensione.
Gli oggetti possono apparire molto diversi dalla fotocamera che dall'occhio e spesso sembrano più grandi di quanto ci aspettiamo. Per questo motivo, è una buona idea scegliere piatti più piccoli di quelli che useresti normalmente.
Presenta i tuoi soggetti su piatti di insalata o piatti piani più piccoli. Piatti di grandi dimensioni possono sminuire il soggetto principale e dominare la cornice.
Guarnizioni
Erbe e spezie e oggetti come i crostini possono migliorare i tuoi colpi di cibo.
Rametti di varie erbe come il rosmarino possono essere legati insieme con lo spago da cucina per creare piccoli bouquet che puoi utilizzare per aggiungere contesto alla tua storia alimentare.
Puoi arricchire una semplice ciotola di zuppa con un filo di panna e una spolverata di erba cipollina tritata.
La chiave è che i tuoi contorni dovrebbero avere senso nel contesto più ampio della tua scena. Se stai sparando al salmone con una salsa di aneto e limone, non guarnirlo con basilico.
Quando usi le erbe, usa le più fresche possibili e sostituiscile mentre spari. Appassiscono o si ossidano rapidamente. Le erbe tagliate possono essere conservate fresche in frigorifero molto più a lungo se avvolte in un tovagliolo di carta bagnato.
Puntelli
Devi avere una raccolta di oggetti di scena per la fotografia di cibo.
Un oggetto di scena è qualsiasi oggetto che usi sul set per migliorare l'immagine. Nella fotografia di cibo, si tratta tipicamente di stoviglie, come piatti e posate, ciotole e utensili da portata e biancheria.
Quando selezioni i tuoi oggetti di scena, pensa al tuo stile di fotografia di cibo e ai tipi di oggetti di scena che lo completerebbero.
Se il tuo stile è davvero pulito ed elegante, o più raffinato, tali oggetti di scena non avrebbero molto senso e staresti meglio con pezzi più delicati.
In generale, stai lontano da colori molto vivaci e motivi audaci, poiché distraggono dal cibo. I pezzi colorati possono aggiungere un punto di interesse, ma devono lavorare con la composizione generale e la sensazione della foto.
Non usare molti oggetti di scena. Un paio di oggetti di scena giusti possono avere un grande impatto nel raccontare una storia visiva, ma troppi distrarranno lo spettatore e domineranno l'immagine.
Quando selezioni i tuoi oggetti di scena, inizia con uno o due pezzi, forse un piatto da insalata neutro e un coltello o un cucchiaio vintage. In caso di dubbio, mantienilo semplice.
Sfondi
Avrai bisogno di una varietà di sfondi interessanti su cui posizionare il tuo cibo.
Usa una varietà di oggetti per i tuoi sfondi, come stoffa, carta artigianale o piastrelle per pavimenti di grandi dimensioni. Puoi anche essere creativo e crearne uno tuo.
Acquista fogli di legno e dipingili o macchiali tu stesso. Ci sono anche alcune ottime risorse online per l'acquisto di sfondi professionali per la fotografia di cibo e vengono spediti in tutto il mondo.
Quando si riprende cibo, gli sfondi neutri o dai toni freddi come il blu generalmente funzionano meglio.
Illuminazione
Modificatori di illuminazione
Sia che utilizzi la luce naturale o artificiale, dovrai modificare la tua fonte di luce.
Un elemento importante nel tuo kit è un diffusore. Questo è un pannello di materiale bianco puro che metti sul bordo del tuo tavolo per ammorbidire la luce che colpisce la tua scena.
Avrai anche bisogno di alcuni semplici strumenti per rimbalzare e assorbire la luce. Puoi acquistare un kit riflettore professionale 8-in-1, con dischi pieghevoli in una varietà di materiali da utilizzare nei tuoi scatti, come mostrato di seguito.
Il riflettore argento, ad esempio, può illuminare il cibo, mentre il riflettore dorato aggiungerà calore. Di solito viene fornito anche con un diffusore.
Per una versione fai-da-te, puoi anche utilizzare un semplice cartone bianco o nero acquistato da un negozio di artigianato o dollaro. Il bianco illumina la scena, mentre il nero assorbe la luce.
Stili di illuminazione
Dovresti avere un'idea di come vuoi che sia la tua immagine finale prima di prendere in mano la fotocamera. Vuoi che la luce appaia morbida e dimensionale o cerchi un contrasto sorprendente?
Maggiore è il contrasto tra chiaro e scuro, più drammatica sarà la tua immagine. Spesso, il tuo soggetto detterà la luce che scegli.
La prossima volta che scatti, fotografa il soggetto con una luce sia morbida che intensa e nota la differenza. In che modo ogni approccio influisce sul risultato finale? Molti fotografi tendono a gravitare sull'uno o sull'altro come parte del loro stile.
Illuminazione laterale
Questo è quando la tua luce proviene direttamente accanto al cibo.
L'illuminazione laterale è un buon approccio per molte delle tue fotografie di cibo. Funziona per la maggior parte delle configurazioni ed è facile da usare.
Posiziona un riflettore o una carta di rimbalzo sul lato opposto alla luce. A seconda di quanta ombra vuoi sul lato del cibo, spostalo più vicino o più lontano oppure usa un riflettore più piccolo o più grande.
Quando si riprendono scene bianche e ariose, è comunque necessario un po 'di ombra per aggiungere dimensione.
Retroilluminazione
La retroilluminazione è quando posizioni la tua luce dietro il cibo.
Se immagini il quadrante di un orologio, è a ore 12. Questa è una posizione ideale per bevande o zuppe, poiché aggiunge lucentezza ed evidenzia le proprietà liquide del cibo.
In generale, la retroilluminazione è molto lusinghiera per il cibo. Lo fa brillare e ne esalta la consistenza.
Tuttavia, può essere complicato lavorare perché può far sì che la tua immagine sia troppo luminosa sul retro e troppo scura sul davanti. Un contrasto eccessivo significa che il retro della foto risulterà spento, con una perdita di dettagli che sfocerà nel soggetto principale. Un contrasto insufficiente risulterà in una foto spenta o che sembra sbiadita, che è ciò che accade quando si scatta con troppa luce.
Retroilluminazione laterale
La retroilluminazione laterale è una combinazione dei primi due tipi di illuminazione. È il meglio di entrambi i mondi e il più facile con cui lavorare. Qui, la nostra luce è posizionata tra le 10 e le 11.
Con questo stile di illuminazione, ottieni la brillantezza della superficie fornita dalla retroilluminazione senza il rischio di sovraesposizione. Inoltre, non è necessario riflettere tanta luce sulla parte anteriore del cibo perché la luce arriva da più angolazione.
Quando utilizzi la retroilluminazione laterale, dovrai giocare con l'altezza della luce rispetto alla scena, a seconda di come vuoi che cadano le ombre.
Più la tua fonte di luce è vicina al tuo set, più morbida sarà la caduta.
Angoli della telecamera
L'angolazione della telecamera può avere un effetto potente sull'immagine finale.
Prima di prendere in mano la fotocamera, è necessario pensare a quale tipo di cibo o piatto si sta riprendendo e quale angolazione della fotocamera aiuterà a far emergere le sue migliori caratteristiche.
Ci sono tre angoli di ripresa principali utilizzati quando si fotografa il cibo: sopra la testa, angolo di 3/4 o dritto.
L'angolo 3/4
L'angolo di 3/4 è quando la fotocamera è posizionata ovunque da 25 a 75 gradi rispetto al soggetto.
L'angolo 3/4 è un angolo popolare perché è così versatile. Di solito puoi mostrare la parte anteriore e la superficie del piatto, nonché i lati.
Vedi molto questo angolo nella fotografia di cibo commerciale.
L'angolo in alto
L'angolo in alto è l'angolo di 90 gradi. Questo è diventato un punto di vista molto popolare ultimamente grazie a Instagram.
Questo angolo ha sicuramente diversi aspetti positivi. È utile per adattare diversi elementi in una scena, come in un tavolo. Questo lo rende anche un ottimo angolo di narrazione. Puoi vedere una varietà di oggetti di scena, ingredienti o piatti di cibo nell'inquadratura quando scatti dall'alto. Spesso è anche più facile comporre il tuo scatto usando questo angolo rispetto a un angolo di 3/4 o dritto.
Tuttavia, l'angolo in alto non funziona per ogni tipo di ripresa di cibo. Elimina la profondità, il che conferisce un tocco più grafico a un'immagine ma non è adatto ad ogni tipo di cibo.
Con l'angolo in alto, ciò che più enfatizza è la forma del cibo e vari elementi della scena.
L'angolo dritto
Questo angolo di ripresa diretto è più adatto per cibi "alti", come hamburger o pile di brownie o pancake. Sottolinea l'altezza di un piatto.
Quando scatti hamburger e panini, il panino o la parte superiore del pane nasconde ciò che c'è dentro, quindi scattare la foto da qualsiasi punto sopra il cibo non ha senso.
Ricorda, l'obiettivo è sempre quello di concentrarsi sulle migliori caratteristiche del cibo.
Composizione
Gli strumenti di composizione possono aiutarci a fare fotografie migliori, tuttavia, non tutti gli strumenti funzioneranno per ogni immagine.
Prima di iniziare a scattare, conosci l'obiettivo della tua immagine. Qual è l'umore? Cosa vuoi trasmettere? Qual è lo scopo del tuo scatto e come verrà utilizzato?
La buona fotografia di cibo evoca le emozioni dello spettatore. La composizione è uno degli strumenti principali che ci aiutano a farlo.
Linea
La linea è l'elemento più basilare nella composizione visiva. Le linee guidano l'occhio attraverso una fotografia verso i punti focali e gli elementi chiave e mantengono l'occhio dello spettatore concentrato sull'immagine.
Ci sono un paio di cose di cui essere consapevoli quando si lavora con le linee. Quando si utilizzano linee per dirigere l'occhio dello spettatore, devono puntare al soggetto principale o nell'inquadratura.
Inoltre, le linee non dovrebbero mai puntare al di fuori dell'inquadratura, poiché gli occhi saranno costretti a lasciare l'immagine. Ciò indebolisce l'immagine e può far perdere interesse allo spettatore.
Regola delle probabilità
La regola delle probabilità afferma che quando si fotografa un gruppo di oggetti, avere un numero dispari di elementi nel fotogramma è molto più interessante dal punto di vista visivo che avere un numero pari di elementi.
I numeri dispari creano un senso di equilibrio e armonia e forniscono un punto di riposo per i nostri occhi, mentre un numero pari di oggetti può dividere la nostra attenzione e competere tra loro.
Quando ci sono più di cinque elementi in un'immagine, diventa difficile per la mente registrare il numero più alto. Per questo motivo, è una buona idea comporre molti elementi in gruppi di numeri dispari quando possibile.
Regole di terzi
La regola dei terzi ha lo scopo di aiutarti a posizionare gli elementi principali e il punto focale all'interno della composizione.
Pensa a una griglia immaginaria che divide l'immagine in nove parti uguali, come una griglia tris. Il rapporto è 1: 1 per rettangolo.
La regola dei terzi è un ottimo punto di partenza. Aiuta ad aggiungere armonia alle tue immagini e ti aiuta a muovere i primi passi nella composizione come nuovo fotografo. In effetti, può funzionare per molte immagini, in particolare i paesaggi.
Quando si parla di food photography, tuttavia, questa regola può essere limitante. Puoi finire per creare immagini sbilanciate e imbarazzanti.
Il Phi Grid è un concetto simile che è più potente della regola dei terzi. Entrambe le griglie sembrano quasi uguali, ma le linee centrali della griglia Phi sono più vicine tra loro.
La griglia Phi
Phi Grid
Phi Grid è un'espressione di Rapporto aureo. Ti aiuta a creare un'immagine equilibrata e naturalmente piacevole.
La Phi Grid segue il rapporto di 1: 1,618, un rapporto che è di natura costante e verso il quale gravitiamo automaticamente.
Appare in tutto il mondo naturale, da un guscio di nautilo al numero di petali di un fiore.
Puoi trovare la sezione aurea ovunque nel mondo che ci circonda, anche se nessuno può spiegare esattamente perché esiste in questo modo.
Puoi usare questa conoscenza nella tua fotografia. Pensare a come l'occhio si muove attraverso un'immagine e incorporare qualche espressione della sezione aurea ti aiuterà a creare immagini che il cervello riconoscerà come esteticamente attraenti e armoniose.
Spazio negativo
Lo spazio positivo è lo spazio occupato dal tuo soggetto principale. Lo spazio negativo è un'area in cui i tuoi occhi possono riposare. Fornisce equilibrio, un po 'di respiro e sottolinea il soggetto.
Lo spazio negativo può rappresentare il movimento e dare contesto a un'immagine. Può anche dare allo spettatore l'idea che ci sia una storia al di là di ciò che l'occhio sta vedendo.
Nella fotografia di cibo, c'è la tendenza a scattare con molto spazio negativo a causa del posizionamento del testo, in particolare quando si tratta di riviste, imballaggi di prodotti o pubblicità.
Quando un'immagine non utilizza lo spazio negativo, può sembrare un po 'claustrofobica e disordinata. Inoltre, quando c'è troppo da fare in un'immagine, lo spettatore non è sicuro di dove guardare.
Ripetizione
Anche la ripetizione di elementi aggiunge interesse a un'immagine. La ripetizione può verificarsi spontaneamente nel soggetto o può essere creata da elementi aggiunti come oggetti di scena e ingredienti di supporto.
A volte i motivi possono diventare monotoni, quindi rompere un motivo può creare una fotografia più forte.
Esistono vari modi per creare un'interruzione nel motivo, ad esempio un'interruzione nel colore, nella forma, nelle dimensioni o nella trama. Il luogo in cui collochi questa pausa è cruciale; vuoi posizionarlo in uno dei tuoi punti focali o lungo linee intersecanti.
Colore
Il colore è una parte importante di una composizione. Evoca emozioni e crea un senso dell'umore all'interno di un'immagine.
I colori freddi e scuri come il blu navy e il nero si ritirano, mentre i colori chiari o caldi come il giallo portano gli oggetti in avanti.
Sfondi e colori della superficie troppo luminosi possono sminuire il nostro soggetto; dovrebbero essere scelti in base all'atmosfera che si desidera creare, nonché in armonia con gli elementi scelti.
Le combinazioni di colori possono essere monocromatiche quando sono variazioni tonali all'interno di una singola tonalità. Questo approccio ha il suo posto, ma l'utilizzo di colori complementari è un'ottima tecnica da applicare alla fotografia di cibo.
I colori complementari appaiono direttamente uno di fronte all'altro sulla ruota dei colori, come il rosso e il verde o il blu e l'arancione.
La combinazione di colori con cui scegli di lavorare sarà, in parte, dettata dal cibo che stai fotografando.
I tuoi colori dovrebbero anche essere bilanciati in termini di non avere troppi colori in una cornice, che apparirà caotica.
Struttura
Uno dei modi migliori per aggiungere interesse alle tue fotografie è con la trama. Aggiunge contrasto e dettagli e valorizza i soggetti del cibo.
La consistenza si trova naturalmente nel cibo, ma può anche essere utilizzata efficacemente su sfondi e superfici, nonché su oggetti di scena e biancheria, purché non sia eccessiva.
Un sacco di consistenza nel cibo, nelle lenzuola e negli sfondi composti insieme possono sembrare troppo occupati e sopraffare lo spettatore.
Modifica delle tue immagini
Lightroom di Adobe è un eccellente programma di post-elaborazione. È più intuitivo e più facile da imparare rispetto a Photoshop.
Consiglio di utilizzare Lightroom per eseguire le regolazioni globali e quindi per mettere a punto l'immagine in Photoshop, se necessario. Ad esempio, se devi lavorare su aree specifiche dell'immagine.
Diamo un'occhiata agli strumenti più importanti:
L'istogramma
È importante avere una conoscenza di base dell'istogramma per apportare le giuste regolazioni all'esposizione e ai toni dell'immagine.
Un istogramma mappa la gamma tonale di un'immagine. La luminosità è rappresentata graficamente su una scala di grigi. A ogni pixel dell'immagine viene assegnato un valore.
Il nero è a sinistra, mentre il bianco è a destra. Puoi trovare le sfumature di grigio in mezzo.
La distribuzione dei toni nell'istogramma ti dirà dell'esposizione complessiva dell'immagine.
Un grande picco in una qualsiasi di queste regioni significa che l'immagine ha molti pixel a quella particolare densità. Uno spazio vuoto nell'istogramma significa che non ci sono pixel a quella densità.
Controlla se hai un picco forte all'estremità nera o bianca dell'istogramma. Se lo fai, la tua immagine potrebbe essere sottoesposta o sovraesposta.
In generale, la maggior parte delle immagini ha un aspetto migliore se contiene valori sia chiari che scuri. In caso contrario, potrebbero mancare di contrasto e apparire piatti.
Ritaglio
È una buona idea ritagliare e raddrizzare l'immagine prima di iniziare ad apportare modifiche globali.
Per raddrizzare un'immagine, inizia in Trasformare pannello e fare clic su -> Auto.
Se questo non funziona, puoi provare una delle altre impostazioni o farlo manualmente sotto il Strumento di ritaglio.
Per accedere allo strumento Ritaglia in Lightroom, fai clic sul simbolo della griglia sotto l'istogramma nel pannello superiore. O colpisci R per la scorciatoia da tastiera. Questo ti permetterà di ritagliare la tua immagine portando gli angoli con il cursore.
Notare che quando il lucchetto è chiuso sul simbolo del lucchetto, lo strumento ritaglia ogni lato dell'immagine in modo uniforme.
Se desideri ritagliare a mano libera, fai semplicemente clic su di esso per sbloccarlo.
Bilanciamento del bianco
Bilanciamento del bianco in un aspetto molto importante della post-elaborazione delle immagini di cibo.
Consiglio di scattare con un cartoncino grigio e di regolare il bilanciamento del bianco in post-elaborazione. Ciò rimuove le dominanti di colore errate e garantisce che i tuoi bianchi siano veramente bianchi.
Una carta grigia è un pezzo di plastica grigia che puoi acquistare in un negozio di forniture per fotocamere. È esattamente il 18% di grigio, che è ciò che la tua fotocamera cerca quando misura una scena.
Scatta una foto con il tuo cartoncino grigio nella scena. In Lightroom, prendi il contagocce del bilanciamento del bianco e fai clic sulla scheda grigia. Leggerà automaticamente il bilanciamento del bianco corretto.
Il pannello di base
Questo pannello è dove potresti finire per fare molti ritocchi prima di accontentarti di un aspetto finale.
Esposizione influisce sulla luminosità della gamma di toni nella tua immagine, tuttavia, giocando con le ombre e le luci, ei tuoi bianchi e neri ti daranno un bilanciamento dei toni più preciso rispetto al semplice affidamento sul cursore Esposizione.
Controlla se le aree luminose sembrano fangose o le ombre hanno ancora bisogno di più luce. Sposta i cursori nei punti in cui l'immagine ha un bell'aspetto nel complesso.
Probabilmente dovrai tornare indietro e regolare nuovamente il cursore dell'esposizione dopo aver apportato le modifiche con gli altri cursori.
Vividezza e saturazione
Vividezza è anche un importante cursore nell'editing di fotografie di cibo.
È uno strumento di modifica migliore di Saturazione perché è più sottile. Regola i colori meno saturi senza intensificare quelli già saturi.
Vividezza aumenterà prima la saturazione dei colori tenui e poi gli altri colori.
L'utilizzo effettivo del dispositivo di scorrimento della saturazione dipende dall'immagine. In generale, un approccio conservativo è ciò che funziona meglio quando si modifica la fotografia di cibo.
Se decidi di utilizzare questo dispositivo di scorrimento, spostalo un po 'verso l'alto, a circa +5 o +6.
Curva di tono
I nuovi utenti trovano spesso il file Curva di tono impegnativo, ma è uno degli strumenti più potenti disponibili in Lightroom.
La curva dei toni è un grafico che mappa dove si trovano i toni nelle immagini. L'asse inferiore della curva dei toni inizia con le ombre all'estrema sinistra. Termina con i momenti salienti all'estremità destra. I toni medi cadono a metà, in una gamma da più scura a più chiara. Diventano più scuri quando ci si sposta più in basso e più luminosi quando ci si sposta verso l'alto sull'asse.
Puoi controllare la luminosità e l'oscurità dei tuoi toni. Aggiusta il Punto curva stesso o il file Curva della regione.
La regione dispone di dispositivi di scorrimento per ciascuna parte della gamma tonale. Mentre trascini ogni cursore, la curva e l'immagine cambiano entrambe.
Per apportare modifiche con la curva del punto, fare clic sull'area che si desidera modificare. Questo creerà un punto di ancoraggio in cui controllare il tono.
Trascinando il punto verso l'alto si schiarisce quel tono; trascinandolo verso il basso si oscura.
Valuta i mezzi toni nella tua immagine per vedere se sono già luminosi. In caso contrario, fare clic al centro della curva del tono e portare il punto in alto.
Se sono troppo luminosi, abbassa la curva. Controlla le altre parti della tua immagine.
Se hai appena iniziato ad apprendere la curva di tono, gioca prima con i dispositivi di scorrimento della regione. Prendi nota di come i vari cursori influenzano la curva.
Qualunque approccio tu scelga, assicurati di guardare l'istogramma mentre apporti le modifiche. In questo modo ti assicurerai di non perdere dettagli importanti.
HSL
HSL sta per Hue, Saturazione, e Luminanza. Qui è dove bilanci i colori in Lightroom.
Le regolazioni del colore sono generalmente più soggettive delle regolazioni tonali. Questo perché il colore conferisce a una fotografia un senso dell'umore.
Ci sono due modi per effettuare le regolazioni del colore in questo pannello. Puoi regolarli tutti in una volta sotto HSL / All. O ogni colore individualmente sotto il Colore scheda nella parte superiore del pannello.
Il Hue La scheda o la sezione nella parte superiore del pannello è dove scegli quanto caldo o freddo vuoi che sia ogni colore nella tua immagine.
Ad esempio, trovo che i verdi quasi sempre guardino fuori. Faccio scorrere i green leggermente più verso sinistra o verso destra per farli sembrare più realistici.
Per aggiungere più calore, ovvero più giallo, ai tuoi verdi, fallo scorrere verso sinistra. Per una tonalità più fredda, facendolo scorrere verso destra si aggiunge più blu.
Il Saturazione il cursore nel pannello di base regola il colore dell'intera immagine. Ma i cursori di saturazione qui regolano ogni colore individualmente.
Se si regola un colore in modo che sia più saturo, ciò influenzerà la saturazione di quel particolare colore in tutta la foto.
Che tu stia lavorando nel pannello di base o nel pannello HSL, la saturazione richiede una mano leggera.
Infine, Luminanza influisce sulla luminosità del colore. Questi cursori sono più preziosi dei cursori di saturazione, quindi lavora prima con questi.
La modifica in Lightroom è tutta una questione di equilibrio. Lo stesso vale quando si lavora con le regolazioni di tonalità, saturazione e luminanza.
Affilatura
L'affilatura dovrebbe essere l'ultimo passaggio di modifica. Aggiunge contrasto tra pixel e bordi, che crea definizione e un aspetto più raffinato.
Tuttavia, non è necessario applicare la nitidezza all'intera immagine perché, nella fotografia di cibo, non ha molto senso aumentare la nitidezza degli oggetti di scena e dello sfondo.
Il focus è sul cibo, quindi è quello che affinate.
Per fare ciò in Lightroom, maschera l'immagine per selezionare le aree dell'immagine che desideri rendere più nitida. Tieni premuto il Alt / Opzione mentre si fa clic su Mascheramento nel Affilatura pannello.
Lightroom ti mostrerà dove viene applicata la nitidezza in bianco. La tua immagine sembrerà una radiografia.
Fallo scorrere a destra. Più vai a destra, meno l'immagine risulterà nitida.
Scoprirai che sarai nella gamma + 70-80 per l'affilatura per la fotografia di cibo.
In conclusione
C'è molto da imparare quando si tratta di scattare foto di cibo, ma si spera che questa guida ti abbia fornito una panoramica di ciò che è coinvolto e alcune idee su come puoi migliorare le tue immagini.
Più informazioni hai, più potere puoi essere nelle tue decisioni creative.
Soprattutto, molta pratica è ciò che ti porterà al livello successivo nella tua fotografia di cibo.